Sin rumbo de Eugenio Cambaceres es la primera novela argentina que construye un héroe problemático ,con contradicciones, que cubren y confunden el trasfondo ideológico y plolítico del yo autorial. En María, El Matadero ,etc ese transfondo de pensamiento político e ideológico es predominante sin embargo, en Sin rumbo se confunde bajo la dialéctica propugnada por Sarmiento en Civilización y barbarie.
Para Sarmiento la “civilización” significa los intereses de las burguesías metropolitanas consolidadas y en expansión, como era el caso de Buenos Aires, y marcaba como barbarie a los indígenas, los gauchos, los montoneros y a todos los gobernantes de Argentina y Latinoamérica que osaron defender los intereses nacionales y que se opusieron a la explotación europea. Por tanto, según este planteamiento la civilización estaría asociada a la ciudad y la barbarie al mundo rural.
La estructura de la novela está configurada como un viaje de ida y vuelta, ya que desde el principio situa al lector frente a la dicotomía campo – ciudad. Se parte del campo hacia el ambito urbano de Buenos Aires , para finalmente volver al campo, lo que establece la relación existente de una sociedad burguesa que establece un sistema oligárquico en el medio rural .pero,¿qué reivindica la novela: el campo o la ciudad? , en obras como Martin Fierro o María la idealización del medio rural queda plenamente demostrada, sin embargo,la lucha contradictoria del protagonista ,Andrés, dificulta la percepción de que elemento se reivindica en la novela. De ese viaje de ida y vuelta sabemos que la primera vez que Andrés sale del campo a la ciudad es para efectuar sus estudios, el texto nos muestra a un joven despreocupado que disfruta de una vida despreocupada y placentera y que sin embargo cuando ha vuelto al campo y rememorando es vida de estudiante dice:
“Y en un momento de empalago, de cansancio,de repugnancia profunda , los viajes , la Rusia, el Oriente, la China, el mundo y siempre y en todas partes, bajo formas varias y diversas , el mismo fondo de barro.
Seco, estragado, sin fe, el corazón, yerta el alma, harto de la ciencia, de la vida, de ese agregado de bajezas: el hombre , con el arsenal de un inmenso desprecio por los otros, por el mismo,¿en qué había venido a parar, que era al fin?”
Este pensamiento de Andrés pone de manifiesto que tanto la visión del autor como la del protagonista es la de una concepción nihilista que remite no a la condición civilización / barbarie, si no a la mera condición humana de la trascentalidad, exenta, así, de cualquier condición social social como en María, donde se añora un sistema social concreto: el del nucleo familiar. Lejos de este pensamiento Cambacere muestra a un hombre “civilizado” que sucumbe a sus más bajos instintos tomando por la fuerza lo que desea , como se ejemplificaría con la violación de la sirvienta,a la que deja embarazada y promete volver para estar junto a ella, mostrando así que lo que se denomina “civilizado”no está tan alejado de los comportamientos animales que por una cuestión social, de raza o ideológica se han atribuido a lo denominados “barbaros”
En los trabajos de Sarmiento y Echeverria la ciudad es un proyecto, en Sin rumbo el proyecto esta consolidado, Buenos Aires es una gran ciudad que tiene todo tipo de estímulos y una población tan amplia que permite al individuo moverse en diversas esferas sociales. Andrés vuelve a la “civilización”, al dulce gusto de los placeres que proporciona la gran ciudad a esos burgueses gustosos de la ociosidad y el divertimento, sin embargo , pronto se aburríra de esa vida del dolce fare niente. La estancia de Andrés le sirve a Cambaceres para poner de manifiesto una sociedad sobre estimulada y el desengaño sufrido por los intelectuales de la generación del 80 que habían cifrado sus esperanzas, para el desarrollo de la nación ,en una burguesía europeizada y que se habian convertido en unos seres decadentes entregados a los placeres al despilfarro y a la ociosidad. Andrés es el representante de una sociedad ,que Cambaceres describe como decadente moralmente.En su estancia en la “civilización” mantiene una relación con una mujer casada y con el consentimiento de su marido, sin embargo, Andrés , el hombre “civilizado”, ante el aburrimiento y asco que le provoca su amante, vuelve a rozar con el pensamiento comportamientos irracionales:
“había momentos en que tentaciones brutales lo acometían: estrujarla, insultarla, matarla, y matarse él[....]sí, desahogar su rabia por algún acto salvaje de violencia, vengarse de su suerte en su querida”
Andrés decide volver al campo, se aferra a la idea de encontrar el sentido a su vida a través del niño nacido y al que no conoce. Sin embargo, el final resultará trágico su hija, Andrea, morirá lo que llevará a Andrés al suicídio.
El final de la obra le sirve a Cambaceres para poner de manifiesto elementos ideológicos como el Positivismo y el Darwinismo que en ocasiones fueron justificación científica de argumentos ferozmente racistas, clasistas y machistas. El final de la obra es un final determinista, un final deteminado para una sociedad que es vista como un cuerpo enfermo.
En mi opinión civilización y barbarie esta estrechamente relacionado con el comportamiento humano, donde la ciudad es la civilización y el campo sigue manteniendo ese estatus de barbarie ,si bien la barbarie puede ser parte de los comportamientos del ser civilizado.
RAQUEL MARTÍN REDONDO
domingo, 20 de febrero de 2011
Los pasos perdidos, Alejo Carpentier
Por las mañanas pasaban rebaños de vacas que iban a las vaquerías de la Habana y por los alrededores, la calle Reina, que no quedaba lejos , habia mucha librería de viejo donde de muchacho yo leía de libros de aventuras, Julio Verne, Alejandro Dumas, etc. Y todos esos libros, incluso me han acompañado en viajes y los he guardado.” Estas palabras de Carpentier nos revelan cuales fueron las lecturas que formaron al lector y escritor. Los pasos perdidos según Carpentier es una novela realista situada en lo mítico, sin embargo , la critica la situa en la novela “del ser”, novela de “destino”, Los pasos perdidos podría ser un conjunto de todas ellas ya que, en mi opinión, el viaje que emprende el protagonista de Nueva York al Orinoco es un viaje de autoconocimiento, de encuentro con las raíces y un viaje que llevará al protagonista a la añorada por el Quijote “edad de oro”.
Alejo Carpentier, quien supo alejarse del mundo europeo para enfrentarse a la realidad americana, vio la necesidad de crear o desarrollar nuevas fórmulas narrativas para mostrar la realidad americana lo que denominó en el prólogo de su obra El reino de este mundo como lo “real maravilloso”. Su conocimiento literario es muy importante y extenso como muestra el gran número de obras citadas a lo largo del texto de Los pasos perdidos con lo que utilizar este texto como pretexto para analizar las influencias literarias en la obra de Alejo Carpentier sería extenso e inalcanzable en el análisis que voy a desarrollar.Sin embargo es el propio Carpentier quien en los numerosos ensayos y conferencias nos hace una aproximacion a los referentes literarios que fueron de su influencia.En “La gran sabana: mundo del Génesis”. 1dice que el mundo del génesis halla su mejor expresión en el lenguaje americano del Popol Vuh. Alejo Carpentier sin duda pone de manifiesto su coherencia con esta afirmación ya que llevará al protagonista y al lector al “Génesis” de la cultura americana usando un lenguaje próximo al lenguaje creacionista bíblico:
“Estamos en el mundo del Génesis , al fin del cuarto día de creación . Si retrocediéramos un poco más llegaríamos adonde comenzara la terrible soledad del Creador- la tristeza sideral de los tiempos sin incienso y sin alabanzas , cuando la tierra era desordenada y vacía y las tinieblas estaban sobre la haz del abismo.”2
El estudio de los paratextos de la obra nos suguieren también algunas de las influencias literarias en la obra. Así encontramos referencias bíblicas de los libros del Deutoronomio y los Salmos. Referencias a los libros sagrados americanos como el Popol Vuh y El libro de Chilam -Balam , referencias al romanticismo ingles de Shelly y al Barroco español de Quevedo. Este último paratexto sera el pretexto para analizar cómo Carpentier, a pesar de haber bebido de las fuentes surrealistas europeas, toma para este libro el barroco como medio para llevar al lector a este viaje del conocimiento, a un viaje iniciatico en el conocimiento del yo personaje y de los orígenes cultuarales americanos. El barroco en los pasos perdidos lo encontramos en sus numerosos cultismos. Existen multiples referencias a la música, a la astrología y numerosas referencias latinas que requieren del lector un amplio conocimiento en todas las artes del saber, si bien esta edición a la cual hice referencia anteriormente, nos ayuda con numerosas llamadas a pie de pagina que ayudan al lector a comprender estas referencias y a encontrar otros elementos barrocos usados por Carpentier como el conceptismo al crear o inventar nuevos conceptos, juegos de palabras para ,si ya no eran bastantes, aumentar el cultismo del texto así podemos encontrar lo siguiente:
“[...] con miedo advertí que se confiaba en mí , firmemente, para traer, entre otros idiófonos singulares, un injerto de tambor y bastón de ritmo que Schaeffer y Curt Sachs ignoraban , y la famosa jarra con dos embocaduras de caña , usada por ciertos indios en sus ceremonias funerarias , que el padre Servando de Castillejos hubiera descrito , en 1561, en su tratado De barboroum Novi Mundi moribus [...]”
Alejo Carpentier toma referentes reales, como son los dos músicos señalados en el comienzo del texto, para dar una impronta de veracidad al padre Servando y su tratado nacidos de la imaginación del propio Carpentier.
Alexis Márquez Rodríguez en Lo barroco y lo real maravilloso en la ora de Alejo Carpentier, pag 150 señala como elemento barroco en la obra el uso del tiempo que hace: “ en Carpentier hallamos un rasgo inequívocamente barroco en el manejo del tiempo como recurso técnico , ese retorcimiento del tiempo , esa manipulación incesante de los tiempos narrativos , de los anacronismos utilizados ex profeso* , de los tiempos cruzados , revertidos o superpuestos , son recursos eminentemente barrocos”.
Como consecuencia de este uso del tiempo Los pasos perdidos tienen una estructura temporal que, como ya hemos visto en otra parte del trabajo, lleva al protagonista en un viaje geográfico de ida y vuelta y ,temporalmente, del presente de la modernidad al pristino nacer de la cultura americana y al lector a una revisión de la literatura de todos los tiempos desde la modernidad a los primeros textos amerindios pasando por El Quijote , Crónicas de indias, y los primitivos libros de leyes mencionados al comienzo de este ensayo.
Velayos Zurdo dice que Los pasos perdidos es una novela de nostalgias y retornos donde se habla de un presente sufrido tras el fracaso de la búsqueda de un pasado feliz y es que el protagonista de la novela tiene que volver al pasado geográfico y temporal para ser feliz. Su retorno a la modernidad ,a la vida monótona que llevaba antes de su viaje, le lleva a una búsqueda infructuosa del camino de retorno al momento de felicidad, a la selva. La frustración final es adelantada en el pasaje de la revolución donde Carpentier recoje los versos de Rodrigo Caro “a las ruinas de Itaca”:
Estos Fabio,¡ay dolor! Que ves agora,
campos de soledad, mustio collado,
fueron en un tiempo Itálica famosa
Velayos Zurdo3 menciona que las referencias a Prometeo y Sísife son elementos que refuerzan la idea de nostalgia y retorno de la novela; no obstante, en mi opinión, y a la luz de los paratextos son sin duda referencias a la obra de Shelley y al concepto de arte y vida que se desarrolla en el ensayo “Martí y Francia” 4 donde Carpentier recoge las palabras siguientes de Martí:
“¿Qué eleva más al hombre : Prometeo o Harpagón?... ¡Yo amo más ver un hombre en lucha con el cielo...que ver apagar un a luz para que no se consuman dos , al vulgar usurero de todas partes! [...]buitre de mi mismo me levanto y me hiero y me curo con mi canto, buitre a la vez que altivo Prometeo.”
Es sin duda un simbolo de la liberación de todo condicionamiento social, religioso, económico; es el símbolo de, como decía al principio, la vuelta a la añorada por el Quijote “edad de oro”
Carpentier y su alter ego quieren llegar al momento anterior de que existiesen las cosas quieren llegar al poema antes de hacerse musica , a la palabra pura en la pagina 390 de la edición antes mencionada encontramos lo siguiente:
“todo ese proceso que tanto preocupa a los compositores modernos , luego de Mussorgky y Debussy, llegado a los logros exasperados , paroxísticos , de la escuela vienesa , no era en realidad,lo que me interesaba. Yo buscaba más bien una expresión musical que surgiera de la palabra desnuda , de la palabra anterior a la música [...]”
Este fragmento sin duda es una reflexión sobre el arte , reflexión que podríamos encontrar casi con las mismas palablas en el ensayo de Ortega , La deshumanización del arte.
Para terminar quisiera hacer referencia a la influencia cervantina que hay en Los pasos perdidos. En el texto encontramos referencias textuales a el Quijote y así en el capítuloIII cuando entran en el pueblo y le recuerda el sonido del asno su visita al Toboso recuerda las primeras frases del Quijote y se retrotrae a su infancia comienza para el personaje un viaje de autoconocimiento de la misma manera que comienza la aventura de viajes jamás contada y al igual que en la obra cervantina el viaje de nuestro protagonista será el redescubrimiento de las relaciones personales y la reorganización social del hombre frente a su mundo.
Como conclusión ,decir que Los pasos perdidos es el un gran compendio de conocimientos de todas las artes , donde el viaje se hace refelexión , y donde la literatura y la música son el pretexto para la creación de una novela “real- maravillosa.”
Alejo Carpentier, quien supo alejarse del mundo europeo para enfrentarse a la realidad americana, vio la necesidad de crear o desarrollar nuevas fórmulas narrativas para mostrar la realidad americana lo que denominó en el prólogo de su obra El reino de este mundo como lo “real maravilloso”. Su conocimiento literario es muy importante y extenso como muestra el gran número de obras citadas a lo largo del texto de Los pasos perdidos con lo que utilizar este texto como pretexto para analizar las influencias literarias en la obra de Alejo Carpentier sería extenso e inalcanzable en el análisis que voy a desarrollar.Sin embargo es el propio Carpentier quien en los numerosos ensayos y conferencias nos hace una aproximacion a los referentes literarios que fueron de su influencia.En “La gran sabana: mundo del Génesis”. 1dice que el mundo del génesis halla su mejor expresión en el lenguaje americano del Popol Vuh. Alejo Carpentier sin duda pone de manifiesto su coherencia con esta afirmación ya que llevará al protagonista y al lector al “Génesis” de la cultura americana usando un lenguaje próximo al lenguaje creacionista bíblico:
“Estamos en el mundo del Génesis , al fin del cuarto día de creación . Si retrocediéramos un poco más llegaríamos adonde comenzara la terrible soledad del Creador- la tristeza sideral de los tiempos sin incienso y sin alabanzas , cuando la tierra era desordenada y vacía y las tinieblas estaban sobre la haz del abismo.”2
El estudio de los paratextos de la obra nos suguieren también algunas de las influencias literarias en la obra. Así encontramos referencias bíblicas de los libros del Deutoronomio y los Salmos. Referencias a los libros sagrados americanos como el Popol Vuh y El libro de Chilam -Balam , referencias al romanticismo ingles de Shelly y al Barroco español de Quevedo. Este último paratexto sera el pretexto para analizar cómo Carpentier, a pesar de haber bebido de las fuentes surrealistas europeas, toma para este libro el barroco como medio para llevar al lector a este viaje del conocimiento, a un viaje iniciatico en el conocimiento del yo personaje y de los orígenes cultuarales americanos. El barroco en los pasos perdidos lo encontramos en sus numerosos cultismos. Existen multiples referencias a la música, a la astrología y numerosas referencias latinas que requieren del lector un amplio conocimiento en todas las artes del saber, si bien esta edición a la cual hice referencia anteriormente, nos ayuda con numerosas llamadas a pie de pagina que ayudan al lector a comprender estas referencias y a encontrar otros elementos barrocos usados por Carpentier como el conceptismo al crear o inventar nuevos conceptos, juegos de palabras para ,si ya no eran bastantes, aumentar el cultismo del texto así podemos encontrar lo siguiente:
“[...] con miedo advertí que se confiaba en mí , firmemente, para traer, entre otros idiófonos singulares, un injerto de tambor y bastón de ritmo que Schaeffer y Curt Sachs ignoraban , y la famosa jarra con dos embocaduras de caña , usada por ciertos indios en sus ceremonias funerarias , que el padre Servando de Castillejos hubiera descrito , en 1561, en su tratado De barboroum Novi Mundi moribus [...]”
Alejo Carpentier toma referentes reales, como son los dos músicos señalados en el comienzo del texto, para dar una impronta de veracidad al padre Servando y su tratado nacidos de la imaginación del propio Carpentier.
Alexis Márquez Rodríguez en Lo barroco y lo real maravilloso en la ora de Alejo Carpentier, pag 150 señala como elemento barroco en la obra el uso del tiempo que hace: “ en Carpentier hallamos un rasgo inequívocamente barroco en el manejo del tiempo como recurso técnico , ese retorcimiento del tiempo , esa manipulación incesante de los tiempos narrativos , de los anacronismos utilizados ex profeso* , de los tiempos cruzados , revertidos o superpuestos , son recursos eminentemente barrocos”.
Como consecuencia de este uso del tiempo Los pasos perdidos tienen una estructura temporal que, como ya hemos visto en otra parte del trabajo, lleva al protagonista en un viaje geográfico de ida y vuelta y ,temporalmente, del presente de la modernidad al pristino nacer de la cultura americana y al lector a una revisión de la literatura de todos los tiempos desde la modernidad a los primeros textos amerindios pasando por El Quijote , Crónicas de indias, y los primitivos libros de leyes mencionados al comienzo de este ensayo.
Velayos Zurdo dice que Los pasos perdidos es una novela de nostalgias y retornos donde se habla de un presente sufrido tras el fracaso de la búsqueda de un pasado feliz y es que el protagonista de la novela tiene que volver al pasado geográfico y temporal para ser feliz. Su retorno a la modernidad ,a la vida monótona que llevaba antes de su viaje, le lleva a una búsqueda infructuosa del camino de retorno al momento de felicidad, a la selva. La frustración final es adelantada en el pasaje de la revolución donde Carpentier recoje los versos de Rodrigo Caro “a las ruinas de Itaca”:
Estos Fabio,¡ay dolor! Que ves agora,
campos de soledad, mustio collado,
fueron en un tiempo Itálica famosa
Velayos Zurdo3 menciona que las referencias a Prometeo y Sísife son elementos que refuerzan la idea de nostalgia y retorno de la novela; no obstante, en mi opinión, y a la luz de los paratextos son sin duda referencias a la obra de Shelley y al concepto de arte y vida que se desarrolla en el ensayo “Martí y Francia” 4 donde Carpentier recoge las palabras siguientes de Martí:
“¿Qué eleva más al hombre : Prometeo o Harpagón?... ¡Yo amo más ver un hombre en lucha con el cielo...que ver apagar un a luz para que no se consuman dos , al vulgar usurero de todas partes! [...]buitre de mi mismo me levanto y me hiero y me curo con mi canto, buitre a la vez que altivo Prometeo.”
Es sin duda un simbolo de la liberación de todo condicionamiento social, religioso, económico; es el símbolo de, como decía al principio, la vuelta a la añorada por el Quijote “edad de oro”
Carpentier y su alter ego quieren llegar al momento anterior de que existiesen las cosas quieren llegar al poema antes de hacerse musica , a la palabra pura en la pagina 390 de la edición antes mencionada encontramos lo siguiente:
“todo ese proceso que tanto preocupa a los compositores modernos , luego de Mussorgky y Debussy, llegado a los logros exasperados , paroxísticos , de la escuela vienesa , no era en realidad,lo que me interesaba. Yo buscaba más bien una expresión musical que surgiera de la palabra desnuda , de la palabra anterior a la música [...]”
Este fragmento sin duda es una reflexión sobre el arte , reflexión que podríamos encontrar casi con las mismas palablas en el ensayo de Ortega , La deshumanización del arte.
Para terminar quisiera hacer referencia a la influencia cervantina que hay en Los pasos perdidos. En el texto encontramos referencias textuales a el Quijote y así en el capítuloIII cuando entran en el pueblo y le recuerda el sonido del asno su visita al Toboso recuerda las primeras frases del Quijote y se retrotrae a su infancia comienza para el personaje un viaje de autoconocimiento de la misma manera que comienza la aventura de viajes jamás contada y al igual que en la obra cervantina el viaje de nuestro protagonista será el redescubrimiento de las relaciones personales y la reorganización social del hombre frente a su mundo.
Como conclusión ,decir que Los pasos perdidos es el un gran compendio de conocimientos de todas las artes , donde el viaje se hace refelexión , y donde la literatura y la música son el pretexto para la creación de una novela “real- maravillosa.”
PUDIERA SER..... ALFONSINA STORNI
La poesía hecha por mujeres después de Sor Juana y Gertrudis de Avellaneda tiene su continuidad en la argentina Alfonsina Storni. Tras un fracaso amoroso y el convencimiento de que la mujer estaba en una situación de discriminación en la sociedad de principios del siglo XX, Alfonsina hizo una literatura combatiente y feminista donde denunció la situación de la mujer que era vista como un ser inferior a el hombre.
Un ejemplo de esta poesía combatiente es el poema Pudiera ser... . Este poema denuncia la represión del deseo en la mujer y los condicionantes de esa subyugación que tiene la mujer ante el hombre.
Alfonsina encuentra en la escritura el medio para expresar sus sentimientos, sus vivencias, y por supuesto sus deseos:
Pudiera ser que todo lo que en verso he sentido
no fuera más que aquello que nunca pudo ser
no fuera más que algo vedado y reprimido
de familia en familia , de mujer en mujer.
Para Alfonsina la represión del deseo, la represión amorosa no es algo que solo sienta ella es algo que afecta a todas las mujeres , en todas las familias, es un mal que se incuba en el seno familiar y que afecta a toda la sociedad. Storni entiende que este comportamiento sumiso impuesto por los hombres es algo que está pasando de generación en generación como un código de conducta no escrito pero al que han de someterse todas las mujeres:
Dicen que en los solares de mi gente , medido
estaba todo aquello que se debía hacer...
También da nombre a la “cualidad”que se espera de la mujer en ese código impuesto a la mujer: el silencio.
Dicen que que silenciosas las mujeres han sido
de mi casa materna... Ah, bien pudiera ser.
La mujer tiene deseos de romper con tal sumisión frustrante y es en la madre la que pone esa intención de romper, no obstante, no hay escapada la mujer está educada para permanecer junto a un esposo que reprime sus instintos, sus pasiones . Hacer lo contrario sería romper “el silencio” que le permite estar alejada de todo escandalo social y por supuesto cumpliendo con el “sagrado sacramento del matrimonio”
A veces en mi madre apuntaron antojos
de liberarse,pero se le subió a los ojos
una honda amargura, y en la sombra lloró
Sin embargo, a pesar de que estos sentimientos , las pasiones , los deseos quedan mutilados existe una esperanza de que todo cambie, las hijas pueden hacer cambiar esta situación porque es en ellas donde están los anhelos de que ellas puedan disfrutar y llevar a cabo lo que a otras generaciones se les negó.
Y todo esto mordiente,vencido,mutilado,
todo esto mordiente,vencido,mutilado,
todo esto se hallaba en su alma encerrada
pienso que sin quererlo lo he liberado yo
En mi opinión y como conclusión creo que el plenteamiento de Alfonsina Storni es claro la educación en la igualdad hacerse en el campo de la familia, no se deben reproducir en las hijas la edicación recibida porque solo así ellas no se sentirán vencidas y mutiladas y podrán gritar a viva voz que son mujeres con sentimiuentos , necesidades y apetencias, y por supuesto, tendrán el poder de decidir que quieren para sus vidas.
Un ejemplo de esta poesía combatiente es el poema Pudiera ser... . Este poema denuncia la represión del deseo en la mujer y los condicionantes de esa subyugación que tiene la mujer ante el hombre.
Alfonsina encuentra en la escritura el medio para expresar sus sentimientos, sus vivencias, y por supuesto sus deseos:
Pudiera ser que todo lo que en verso he sentido
no fuera más que aquello que nunca pudo ser
no fuera más que algo vedado y reprimido
de familia en familia , de mujer en mujer.
Para Alfonsina la represión del deseo, la represión amorosa no es algo que solo sienta ella es algo que afecta a todas las mujeres , en todas las familias, es un mal que se incuba en el seno familiar y que afecta a toda la sociedad. Storni entiende que este comportamiento sumiso impuesto por los hombres es algo que está pasando de generación en generación como un código de conducta no escrito pero al que han de someterse todas las mujeres:
Dicen que en los solares de mi gente , medido
estaba todo aquello que se debía hacer...
También da nombre a la “cualidad”que se espera de la mujer en ese código impuesto a la mujer: el silencio.
Dicen que que silenciosas las mujeres han sido
de mi casa materna... Ah, bien pudiera ser.
La mujer tiene deseos de romper con tal sumisión frustrante y es en la madre la que pone esa intención de romper, no obstante, no hay escapada la mujer está educada para permanecer junto a un esposo que reprime sus instintos, sus pasiones . Hacer lo contrario sería romper “el silencio” que le permite estar alejada de todo escandalo social y por supuesto cumpliendo con el “sagrado sacramento del matrimonio”
A veces en mi madre apuntaron antojos
de liberarse,pero se le subió a los ojos
una honda amargura, y en la sombra lloró
Sin embargo, a pesar de que estos sentimientos , las pasiones , los deseos quedan mutilados existe una esperanza de que todo cambie, las hijas pueden hacer cambiar esta situación porque es en ellas donde están los anhelos de que ellas puedan disfrutar y llevar a cabo lo que a otras generaciones se les negó.
Y todo esto mordiente,vencido,mutilado,
todo esto mordiente,vencido,mutilado,
todo esto se hallaba en su alma encerrada
pienso que sin quererlo lo he liberado yo
En mi opinión y como conclusión creo que el plenteamiento de Alfonsina Storni es claro la educación en la igualdad hacerse en el campo de la familia, no se deben reproducir en las hijas la edicación recibida porque solo así ellas no se sentirán vencidas y mutiladas y podrán gritar a viva voz que son mujeres con sentimiuentos , necesidades y apetencias, y por supuesto, tendrán el poder de decidir que quieren para sus vidas.
Bodas de sangre
Almería 24, 1 tarde. En las inmediaciones de un cortijo de Níjar se ha perpretado un crimen en circunstancias misteriosas .
Para la mañana de ayer se había concertado la boda de una hija del cortijero, joven de veinte años.
En la casa se hallaban esperando la hora de la ceremonia el novio y numerosos invitados. Como la hora se acercaba y la novia no llegaba ni aparecía por la casa, los invitados se retiraron contrariados. Uno de estos encontró a una distancia de ocho kilómetros del cortijo el cadáver ensangrentado de un primo de la novia que iba a casarse, apellidado Montes Cañada, de treinta y cuatro años. A las voces de auxilio del que hizo el hallazgo acudieron numerosas personas que regresaban de la cortijada y la Guardia Civil , que logró dar con la novia , que se hallaba oculta en un lugar próximo al que estaba el cadáver y con las ropas desgarradas.
Detenida la novia, manifestó que había huido en unión de su primo para burlar al novio. La fuga la emprendieron en una caballería, y al llegar al lugar del crimen les salió al encuentro un enmascarado, que hizo cuatro disparos, produciendo la muerte a Montes Cañada.
También fue detenido el novio , quien niega toda participación en el crimen, que hasta ahora aparece envuelto en el mayor misterio.
Diario ABC,25 de Julio de 1928, pag 22
Trás la lectura de este truculento suceso, Lorca comenzaría el proceso creador de una obra que convertiría la telúrica y dramática realidad de un pueblo en una tragedia poética, cuyo plano de acción esta situado en el amor pasional. Lorca pensaba que el teatro tenía que “explicar con ejemplos vivos normas eternas del corazón y del sentimiento del hombre”1. La conjunción de realismo y misticismo hacen de Bodas de Sangre una obra donde se ponen de manifiesto el ambiente del campo español , su carácter cerrado además de las características de lo que se ha denominado como la España profunda.
La obra se divide en tres actos y siete cuadros . Los tres cuadros del primer acto exponen la base del conflicto anteriores a la tragedia. En el cuadro primero se introduce al espectador- lector, mediante la figura de la madre, al conflicto entre la familia del novio y la familia de Leonardo cuyo conflicto ha provocado un gran derramamiento de sangre , un profundo dolor y gran resentimiento en las respectivas familias. El novio y Leonardo están abocados a la rivalidad, tanto por las familias como por la relación que ha existido anteriormente entre la futura esposa del novio y Leonardo. Todo el primer acto tiene como función condensar los presentimientos de un desenlace fatal. La madre alude a un pasado que no puede olvidar
<< MADRE: ... Y ese hombre que no vuelve . O si vuelve es para ponerle una palma encima o un plato de sal gorda para que no se hinche. No sé cómo te atreves a llevar una navaja en tu cuerpo , ni cómo dejo a la serpiente dentro del arcón.
NOVIO: ¿Está bueno ya?
MADRE: Cien años que yo viviera, no hablaría de otra cosa. Primero tu padre; que olía a clavel y lo disfruté tres años escasos. Luego tu hermano. ¿Y es justo y puede ser que cosa pequeña como una pistola o una navaja pueda acabar con un hombre , que es un toro? No callaría nunca. Pasan los meses y la desesperación
me pica en los ojos y hasta en las puntas del pelo. >>
La tensión dramámatica se incrementa de manera progresiva en estos tres cuadros, es notale como el número tres es una costante en estos cuadros. Allen Josephs y Juan Caballero, en la edición a Bodas de Sangre2 ,apuntan al número tres como una prefiguración del triángulo amoroso de la novia , Leonardo y el novio. Será un número que aparecerá en numerosas ocasiones durante la obra ya que, tres eran los años que la madre del novio estuvo casada, tres serán los leñadores y será a las tres de la mañana cuando Leonardo visite a la novia. La prefiguración de lo mítico viene dada por elementos como los mencionados , el número tres como elemento de conjunción de un solo ente complejo y pilar fundamental de la religión católica, las referencias a la serpiente, que en Andalucia es señal de mal agüero, y símbolo por antonomasia del mal en la tradicón cristiana. La tensión que provocan las premoniciones quedan condensadas en la nana que canta la mujer de Leonardo y la suegra al final del segundo cuadro.
<
dentro de los ojos
un puñal de plata
Bajaban al río.
¡Ay,como bajaban!
La sangre corría
más fuerte que el agua
Duérmete, clavel,
que el caballo se pone a beber
SUEGRA: Duérmete, rosal
que el caballo se pone a llorar.>>
La nana cierra el cuadro, pero al mismo tiempo abre la historia al lector , ya que de una manera indirecta, Lorca nos cuenta que va a pasar en la historia , el puñal de plata aparece como símbolo de la muerte en un sentido casi ceremonial,ya que implica un derramamiento de sangre y esto está muy ligado a todas las religiones y culturas, a la redención del pecado mediante el derramamiento de sangre, pero también a nuestra tradición literaría ,donde la mancha en la honra se limpiaba o cobraba mediante la sangre de quién la honra había manchado.
La personificación de los amantes en la rosa y el clavel unido al caballo nos sitúan también en el plano pasional de la trágedia, la rosa símbolo de la mujer tiene otras referencias en el texto a la novia , así ,cuando la muchacha en el tercer cuadro le cuenta a la suegra que a la novia le han comprado una medias de seda con una rosa en el muslo, Lorca está haciendo una clara alusión al sexo femenino. Y no podemos olvidar que ,según la madre, el padre del novio “olía a clavel”. En cuanto al caballo cabría preguntarse cuán estrechamente están relacionadas la sed y el apetito sexual. El caballo de la nana se niega a beber , sin embargo, al final de la nana “el caballo se pone a beber” ,“el caballo se pone a llorar” , tras calmar su apetito sexual solo quedarán lágrimas ya que en una cultura marcada por el pecado y la culpa, la transgresión de la norma ha de pagarse con la muerte.
Lo real y lo mítico se ve patente en la relación que se establece entre la tierra y el mundo rural. La madre que en el primer acto se identifica con la tierra muestra esa dualidad Lorquiana. Por un lado el apego de la madre a la tierra, en un sentido de propiedad ,y por otro lado, la madre ligada a la tierra que desde tiempos ancestrales es el símbolo del origen y fin de la existencia. La madre es la defensora de lo espiritual y de lo material. Así cuando el hijo propone a la madre ir a vivir con ellos tras su matimonio la madre se niega diciendo:
“No, yo no puedo dejar aquí solos a tu padre y a tu hermano . Tengo que ir todas las mañanas, y si me voy es fácil que muera uno de los Félix, uno de la familia de los matadores y lo entierren al lado.¡y eso si que no!¡ca!¡eso si que no! Porque con las uñas los desentierro y yo solas los machaco contra la tapia.
José Ortega3 dice de la figura de la madre:
“Este trágico personaje tiene, como otras figuras de los dramas lorquianos , un valor
dual por encarnar una concreta problemática social- la mujer del campo interesada en preservar y aumentar sus bienes – y una abstracta , simbólica , como fuerza del destino, la muerte, o la madre devoradora”.
La tierra y la dureza del trabajo que en ella se desarrolla salpica toda la obra. Lorca destaca esta dureza para resaltar los aspectos de la vida rural pero también para justificar la dureza de las relaciones. La dureza de la vida rural se puede ejemplificar con el comentario que hace el padre de la novia de sus tierras cuando dice:
“en mi tiempo, ni esparto daba esta tierra. Ha sido necesario castigarla y hasta llorarla, para que nos de algo provechoso”
Tras el matrimonio la novia irá a vivir a un secano,a una tierra tan estéril como el matrimonio, mientras que el padre del novio estando vivo “plantó diez cerezos , los tres nogales del molino, toda una viña y una planta que se llama Jupiter y que da flores encarnadas” y que como sus flores no tienen valor “se seco”.
La novia es consciente de que su matrimonio al igual que el de su madre hará que ella se consuma, ya que su madre también fue acusada de casarse sin querer a su marido, pero ella tiene orgullo y por eso se casa ,aun sabiendo que como dice la madre en el tercer cuadro del primer acto, el matrimonio es “un hombre, unos hijos y una pared de dos varas para todo lo demás”. Sin embargo, Leonardo sabe que un matrimonio por orgullo o despecho es algo estéril y que de nada sirve negarse a las pasiones , al amor pasional que se crea en el centro mismo de nuestro ser. Y así se lo dice en el cuadro primero del seguno acto
<< LEONARDO: El orgullo no te servirá de nada
NOVIA: ¡No te acerques!
LEONARDO: Callar y quemarse es el castigo más grande que nos podemos echar encima .¿De que me sirvió a mi el orgullo y el no mirarte y dejarte despierta noches y noches? ¡De nada!¡Sirvió para echarme fuego encima! Porque tú crees que el tiempo cura y que las paredes tapan , y no es verdad , no es verdad. ¡cuando las cosas llegan a los centros no hay quien los
arranquen!>>
El segundo acto viene representado por la boda , tanto el primer cuadro como el segundo terminan y comienzan con cantos populares a la novia. En la edición anteriormente citada de Josephs y Caballero, se apunta a la relación que existe entre la tragedia lorquiana y la tragedia clásica griega, ya que los coros que acompañaban a la trágedia griega tenían la misma utilidad que estas canciones entre el segundo y tercer acto : la de “desdibujar el realismo” para entrar en el acto que culmina con la muerte y todos los símbolos a ella asociados.
Este tercer acto adentra al espectador- lector en el mundo mítico ,el bosque donde se desarrollará la acción es un bosque irreal. Josephs y Caballero dicen del bosque :
“Este bosque es ya el bosque, como el bosque mítico que en los mitos y las religiones antiguas significa el dominio de la Gran Diosa Madre y en la psicología de Jung el inconsciente”
Si en la boda los coros los hacían los invitados, será en el bosque donde los leñadores canten como un coro sobrenatual, un coro de invocación a la luna. Que se de “caza” ,como dice el mozo al novio, a los fugados depende de que esa luna de luz a la oscuridad del bosque. Todo se conjura para que el factum trágico ,y que se ha anunciado durante toda la obra, se lleve a cabo. La navaja, el caballo, y las referencias florales que hacen alusión a las vidas segadas por los Félix se unen a los habitantes del bosque como elementos simbólicos de la muerte. La mendiga ,que enseñara el camino al novio para encontrar a los fugados ,y la luna en su clarear seran los medios para dar muerte, para que la navaja vuelva a derramar sangre. Y es que la muerte se nutre de sangre y así la luna dice:
“No quiero sombras . Mis rayos han de entrar por todas partes ,
y haya en los troncos oscuros
un rumor de claridades,
para que esta noche tengan
mis mejillas dulce sangre[...]”
La mendiga , los leñadores y la luna forman una trilogía que como en la tradición cristiana forman un solo ser : la muerte.
Muertos los dos hombres solo quedan las mujeres y cuando estas se ponen frente a frente, se produce en el texto uno de los díalogos con más carga emocional y de mayor dureza . La novia insiste en su inocencia en que no hizo nada con Leonardo y que ella queria casarse y que si se fue con Leonardo es porque se sintio arrastrada por una fuerza superior , la fuerza de la atracción sexual que ambos sentían.
Como conclusión se puede decir que el binomio amor muerte funciona a la perfección en Bodas de sangre.La novia y Leonardo son la representación del amor pandémico y celeste que no conoce barreras , que no se ata a convenciones sociales. El amor se convierte en tragedia cuando es la sociedad la que dictamina la culpabilidad de quienes rompen esas ataduras. Lorca resalta la superioridad de la pasión , la que mueve los instintos y no atiende a la razón. La muerte tiene un doble planteamiento: la de la justicia al castigar los comportamientos pecaminosos. Y la que plantea la novia al final del tercer acto: morir para descansar juntos los tres eternamente. Sin embargo, Lorca quien, como alquimista conjuga misticismo y realidad en esta obra, permitirá que la novia viva, pues ,solo asi acercará su obra al plano social dejando para el plano mítico y atávico la venganza y la muerte venida de ella.
FUENTES PRIMARIAS
GARCÍA LORCA,Federico, Bodas de sangre, edición de Allen Josephs y Juan Caballero, Barcelona, ed.Cátedra 2009
FUENTES SECUNDARIAS
GARCÍA LORCA, Federico, Bodas de sangre, edición de Fernando Lázaro Carreter, Madrid, ed. Espasa Calpe; col. Austral Teatro2007
ORTEGA,José, Conciencia estética y social en la obra de García Lorca,ed. Universidad de Granada 1989
Para la mañana de ayer se había concertado la boda de una hija del cortijero, joven de veinte años.
En la casa se hallaban esperando la hora de la ceremonia el novio y numerosos invitados. Como la hora se acercaba y la novia no llegaba ni aparecía por la casa, los invitados se retiraron contrariados. Uno de estos encontró a una distancia de ocho kilómetros del cortijo el cadáver ensangrentado de un primo de la novia que iba a casarse, apellidado Montes Cañada, de treinta y cuatro años. A las voces de auxilio del que hizo el hallazgo acudieron numerosas personas que regresaban de la cortijada y la Guardia Civil , que logró dar con la novia , que se hallaba oculta en un lugar próximo al que estaba el cadáver y con las ropas desgarradas.
Detenida la novia, manifestó que había huido en unión de su primo para burlar al novio. La fuga la emprendieron en una caballería, y al llegar al lugar del crimen les salió al encuentro un enmascarado, que hizo cuatro disparos, produciendo la muerte a Montes Cañada.
También fue detenido el novio , quien niega toda participación en el crimen, que hasta ahora aparece envuelto en el mayor misterio.
Diario ABC,25 de Julio de 1928, pag 22
Trás la lectura de este truculento suceso, Lorca comenzaría el proceso creador de una obra que convertiría la telúrica y dramática realidad de un pueblo en una tragedia poética, cuyo plano de acción esta situado en el amor pasional. Lorca pensaba que el teatro tenía que “explicar con ejemplos vivos normas eternas del corazón y del sentimiento del hombre”1. La conjunción de realismo y misticismo hacen de Bodas de Sangre una obra donde se ponen de manifiesto el ambiente del campo español , su carácter cerrado además de las características de lo que se ha denominado como la España profunda.
La obra se divide en tres actos y siete cuadros . Los tres cuadros del primer acto exponen la base del conflicto anteriores a la tragedia. En el cuadro primero se introduce al espectador- lector, mediante la figura de la madre, al conflicto entre la familia del novio y la familia de Leonardo cuyo conflicto ha provocado un gran derramamiento de sangre , un profundo dolor y gran resentimiento en las respectivas familias. El novio y Leonardo están abocados a la rivalidad, tanto por las familias como por la relación que ha existido anteriormente entre la futura esposa del novio y Leonardo. Todo el primer acto tiene como función condensar los presentimientos de un desenlace fatal. La madre alude a un pasado que no puede olvidar
<< MADRE: ... Y ese hombre que no vuelve . O si vuelve es para ponerle una palma encima o un plato de sal gorda para que no se hinche. No sé cómo te atreves a llevar una navaja en tu cuerpo , ni cómo dejo a la serpiente dentro del arcón.
NOVIO: ¿Está bueno ya?
MADRE: Cien años que yo viviera, no hablaría de otra cosa. Primero tu padre; que olía a clavel y lo disfruté tres años escasos. Luego tu hermano. ¿Y es justo y puede ser que cosa pequeña como una pistola o una navaja pueda acabar con un hombre , que es un toro? No callaría nunca. Pasan los meses y la desesperación
me pica en los ojos y hasta en las puntas del pelo. >>
La tensión dramámatica se incrementa de manera progresiva en estos tres cuadros, es notale como el número tres es una costante en estos cuadros. Allen Josephs y Juan Caballero, en la edición a Bodas de Sangre2 ,apuntan al número tres como una prefiguración del triángulo amoroso de la novia , Leonardo y el novio. Será un número que aparecerá en numerosas ocasiones durante la obra ya que, tres eran los años que la madre del novio estuvo casada, tres serán los leñadores y será a las tres de la mañana cuando Leonardo visite a la novia. La prefiguración de lo mítico viene dada por elementos como los mencionados , el número tres como elemento de conjunción de un solo ente complejo y pilar fundamental de la religión católica, las referencias a la serpiente, que en Andalucia es señal de mal agüero, y símbolo por antonomasia del mal en la tradicón cristiana. La tensión que provocan las premoniciones quedan condensadas en la nana que canta la mujer de Leonardo y la suegra al final del segundo cuadro.
<
dentro de los ojos
un puñal de plata
Bajaban al río.
¡Ay,como bajaban!
La sangre corría
más fuerte que el agua
Duérmete, clavel,
que el caballo se pone a beber
SUEGRA: Duérmete, rosal
que el caballo se pone a llorar.>>
La nana cierra el cuadro, pero al mismo tiempo abre la historia al lector , ya que de una manera indirecta, Lorca nos cuenta que va a pasar en la historia , el puñal de plata aparece como símbolo de la muerte en un sentido casi ceremonial,ya que implica un derramamiento de sangre y esto está muy ligado a todas las religiones y culturas, a la redención del pecado mediante el derramamiento de sangre, pero también a nuestra tradición literaría ,donde la mancha en la honra se limpiaba o cobraba mediante la sangre de quién la honra había manchado.
La personificación de los amantes en la rosa y el clavel unido al caballo nos sitúan también en el plano pasional de la trágedia, la rosa símbolo de la mujer tiene otras referencias en el texto a la novia , así ,cuando la muchacha en el tercer cuadro le cuenta a la suegra que a la novia le han comprado una medias de seda con una rosa en el muslo, Lorca está haciendo una clara alusión al sexo femenino. Y no podemos olvidar que ,según la madre, el padre del novio “olía a clavel”. En cuanto al caballo cabría preguntarse cuán estrechamente están relacionadas la sed y el apetito sexual. El caballo de la nana se niega a beber , sin embargo, al final de la nana “el caballo se pone a beber” ,“el caballo se pone a llorar” , tras calmar su apetito sexual solo quedarán lágrimas ya que en una cultura marcada por el pecado y la culpa, la transgresión de la norma ha de pagarse con la muerte.
Lo real y lo mítico se ve patente en la relación que se establece entre la tierra y el mundo rural. La madre que en el primer acto se identifica con la tierra muestra esa dualidad Lorquiana. Por un lado el apego de la madre a la tierra, en un sentido de propiedad ,y por otro lado, la madre ligada a la tierra que desde tiempos ancestrales es el símbolo del origen y fin de la existencia. La madre es la defensora de lo espiritual y de lo material. Así cuando el hijo propone a la madre ir a vivir con ellos tras su matimonio la madre se niega diciendo:
“No, yo no puedo dejar aquí solos a tu padre y a tu hermano . Tengo que ir todas las mañanas, y si me voy es fácil que muera uno de los Félix, uno de la familia de los matadores y lo entierren al lado.¡y eso si que no!¡ca!¡eso si que no! Porque con las uñas los desentierro y yo solas los machaco contra la tapia.
José Ortega3 dice de la figura de la madre:
“Este trágico personaje tiene, como otras figuras de los dramas lorquianos , un valor
dual por encarnar una concreta problemática social- la mujer del campo interesada en preservar y aumentar sus bienes – y una abstracta , simbólica , como fuerza del destino, la muerte, o la madre devoradora”.
La tierra y la dureza del trabajo que en ella se desarrolla salpica toda la obra. Lorca destaca esta dureza para resaltar los aspectos de la vida rural pero también para justificar la dureza de las relaciones. La dureza de la vida rural se puede ejemplificar con el comentario que hace el padre de la novia de sus tierras cuando dice:
“en mi tiempo, ni esparto daba esta tierra. Ha sido necesario castigarla y hasta llorarla, para que nos de algo provechoso”
Tras el matrimonio la novia irá a vivir a un secano,a una tierra tan estéril como el matrimonio, mientras que el padre del novio estando vivo “plantó diez cerezos , los tres nogales del molino, toda una viña y una planta que se llama Jupiter y que da flores encarnadas” y que como sus flores no tienen valor “se seco”.
La novia es consciente de que su matrimonio al igual que el de su madre hará que ella se consuma, ya que su madre también fue acusada de casarse sin querer a su marido, pero ella tiene orgullo y por eso se casa ,aun sabiendo que como dice la madre en el tercer cuadro del primer acto, el matrimonio es “un hombre, unos hijos y una pared de dos varas para todo lo demás”. Sin embargo, Leonardo sabe que un matrimonio por orgullo o despecho es algo estéril y que de nada sirve negarse a las pasiones , al amor pasional que se crea en el centro mismo de nuestro ser. Y así se lo dice en el cuadro primero del seguno acto
<< LEONARDO: El orgullo no te servirá de nada
NOVIA: ¡No te acerques!
LEONARDO: Callar y quemarse es el castigo más grande que nos podemos echar encima .¿De que me sirvió a mi el orgullo y el no mirarte y dejarte despierta noches y noches? ¡De nada!¡Sirvió para echarme fuego encima! Porque tú crees que el tiempo cura y que las paredes tapan , y no es verdad , no es verdad. ¡cuando las cosas llegan a los centros no hay quien los
arranquen!>>
El segundo acto viene representado por la boda , tanto el primer cuadro como el segundo terminan y comienzan con cantos populares a la novia. En la edición anteriormente citada de Josephs y Caballero, se apunta a la relación que existe entre la tragedia lorquiana y la tragedia clásica griega, ya que los coros que acompañaban a la trágedia griega tenían la misma utilidad que estas canciones entre el segundo y tercer acto : la de “desdibujar el realismo” para entrar en el acto que culmina con la muerte y todos los símbolos a ella asociados.
Este tercer acto adentra al espectador- lector en el mundo mítico ,el bosque donde se desarrollará la acción es un bosque irreal. Josephs y Caballero dicen del bosque :
“Este bosque es ya el bosque, como el bosque mítico que en los mitos y las religiones antiguas significa el dominio de la Gran Diosa Madre y en la psicología de Jung el inconsciente”
Si en la boda los coros los hacían los invitados, será en el bosque donde los leñadores canten como un coro sobrenatual, un coro de invocación a la luna. Que se de “caza” ,como dice el mozo al novio, a los fugados depende de que esa luna de luz a la oscuridad del bosque. Todo se conjura para que el factum trágico ,y que se ha anunciado durante toda la obra, se lleve a cabo. La navaja, el caballo, y las referencias florales que hacen alusión a las vidas segadas por los Félix se unen a los habitantes del bosque como elementos simbólicos de la muerte. La mendiga ,que enseñara el camino al novio para encontrar a los fugados ,y la luna en su clarear seran los medios para dar muerte, para que la navaja vuelva a derramar sangre. Y es que la muerte se nutre de sangre y así la luna dice:
“No quiero sombras . Mis rayos han de entrar por todas partes ,
y haya en los troncos oscuros
un rumor de claridades,
para que esta noche tengan
mis mejillas dulce sangre[...]”
La mendiga , los leñadores y la luna forman una trilogía que como en la tradición cristiana forman un solo ser : la muerte.
Muertos los dos hombres solo quedan las mujeres y cuando estas se ponen frente a frente, se produce en el texto uno de los díalogos con más carga emocional y de mayor dureza . La novia insiste en su inocencia en que no hizo nada con Leonardo y que ella queria casarse y que si se fue con Leonardo es porque se sintio arrastrada por una fuerza superior , la fuerza de la atracción sexual que ambos sentían.
Como conclusión se puede decir que el binomio amor muerte funciona a la perfección en Bodas de sangre.La novia y Leonardo son la representación del amor pandémico y celeste que no conoce barreras , que no se ata a convenciones sociales. El amor se convierte en tragedia cuando es la sociedad la que dictamina la culpabilidad de quienes rompen esas ataduras. Lorca resalta la superioridad de la pasión , la que mueve los instintos y no atiende a la razón. La muerte tiene un doble planteamiento: la de la justicia al castigar los comportamientos pecaminosos. Y la que plantea la novia al final del tercer acto: morir para descansar juntos los tres eternamente. Sin embargo, Lorca quien, como alquimista conjuga misticismo y realidad en esta obra, permitirá que la novia viva, pues ,solo asi acercará su obra al plano social dejando para el plano mítico y atávico la venganza y la muerte venida de ella.
FUENTES PRIMARIAS
GARCÍA LORCA,Federico, Bodas de sangre, edición de Allen Josephs y Juan Caballero, Barcelona, ed.Cátedra 2009
FUENTES SECUNDARIAS
GARCÍA LORCA, Federico, Bodas de sangre, edición de Fernando Lázaro Carreter, Madrid, ed. Espasa Calpe; col. Austral Teatro2007
ORTEGA,José, Conciencia estética y social en la obra de García Lorca,ed. Universidad de Granada 1989
Bodas de sangre
Almería 24, 1 tarde. En las inmediaciones de un cortijo de Níjar se ha perpretado un crimen en circunstancias misteriosas .
Para la mañana de ayer se había concertado la boda de una hija del cortijero, joven de veinte años.
En la casa se hallaban esperando la hora de la ceremonia el novio y numerosos invitados. Como la hora se acercaba y la novia no llegaba ni aparecía por la casa, los invitados se retiraron contrariados. Uno de estos encontró a una distancia de ocho kilómetros del cortijo el cadáver ensangrentado de un primo de la novia que iba a casarse, apellidado Montes Cañada, de treinta y cuatro años. A las voces de auxilio del que hizo el hallazgo acudieron numerosas personas que regresaban de la cortijada y la Guardia Civil , que logró dar con la novia , que se hallaba oculta en un lugar próximo al que estaba el cadáver y con las ropas desgarradas.
Detenida la novia, manifestó que había huido en unión de su primo para burlar al novio. La fuga la emprendieron en una caballería, y al llegar al lugar del crimen les salió al encuentro un enmascarado, que hizo cuatro disparos, produciendo la muerte a Montes Cañada.
También fue detenido el novio , quien niega toda participación en el crimen, que hasta ahora aparece envuelto en el mayor misterio.
Diario ABC,25 de Julio de 1928, pag 22
Trás la lectura de este truculento suceso, Lorca comenzaría el proceso creador de una obra que convertiría la telúrica y dramática realidad de un pueblo en una tragedia poética, cuyo plano de acción esta situado en el amor pasional. Lorca pensaba que el teatro tenía que “explicar con ejemplos vivos normas eternas del corazón y del sentimiento del hombre”1. La conjunción de realismo y misticismo hacen de Bodas de Sangre una obra donde se ponen de manifiesto el ambiente del campo español , su carácter cerrado además de las características de lo que se ha denominado como la España profunda.
La obra se divide en tres actos y siete cuadros . Los tres cuadros del primer acto exponen la base del conflicto anteriores a la tragedia. En el cuadro primero se introduce al espectador- lector, mediante la figura de la madre, al conflicto entre la familia del novio y la familia de Leonardo cuyo conflicto ha provocado un gran derramamiento de sangre , un profundo dolor y gran resentimiento en las respectivas familias. El novio y Leonardo están abocados a la rivalidad, tanto por las familias como por la relación que ha existido anteriormente entre la futura esposa del novio y Leonardo. Todo el primer acto tiene como función condensar los presentimientos de un desenlace fatal. La madre alude a un pasado que no puede olvidar
<< MADRE: ... Y ese hombre que no vuelve . O si vuelve es para ponerle una palma encima o un plato de sal gorda para que no se hinche. No sé cómo te atreves a llevar una navaja en tu cuerpo , ni cómo dejo a la serpiente dentro del arcón.
NOVIO: ¿Está bueno ya?
MADRE: Cien años que yo viviera, no hablaría de otra cosa. Primero tu padre; que olía a clavel y lo disfruté tres años escasos. Luego tu hermano. ¿Y es justo y puede ser que cosa pequeña como una pistola o una navaja pueda acabar con un hombre , que es un toro? No callaría nunca. Pasan los meses y la desesperación
me pica en los ojos y hasta en las puntas del pelo. >>
La tensión dramámatica se incrementa de manera progresiva en estos tres cuadros, es notale como el número tres es una costante en estos cuadros. Allen Josephs y Juan Caballero, en la edición a Bodas de Sangre2 ,apuntan al número tres como una prefiguración del triángulo amoroso de la novia , Leonardo y el novio. Será un número que aparecerá en numerosas ocasiones durante la obra ya que, tres eran los años que la madre del novio estuvo casada, tres serán los leñadores y será a las tres de la mañana cuando Leonardo visite a la novia. La prefiguración de lo mítico viene dada por elementos como los mencionados , el número tres como elemento de conjunción de un solo ente complejo y pilar fundamental de la religión católica, las referencias a la serpiente, que en Andalucia es señal de mal agüero, y símbolo por antonomasia del mal en la tradicón cristiana. La tensión que provocan las premoniciones quedan condensadas en la nana que canta la mujer de Leonardo y la suegra al final del segundo cuadro.
<
dentro de los ojos
un puñal de plata
Bajaban al río.
¡Ay,como bajaban!
La sangre corría
más fuerte que el agua
Duérmete, clavel,
que el caballo se pone a beber
SUEGRA: Duérmete, rosal
que el caballo se pone a llorar.>>
La nana cierra el cuadro, pero al mismo tiempo abre la historia al lector , ya que de una manera indirecta, Lorca nos cuenta que va a pasar en la historia , el puñal de plata aparece como símbolo de la muerte en un sentido casi ceremonial,ya que implica un derramamiento de sangre y esto está muy ligado a todas las religiones y culturas, a la redención del pecado mediante el derramamiento de sangre, pero también a nuestra tradición literaría ,donde la mancha en la honra se limpiaba o cobraba mediante la sangre de quién la honra había manchado.
La personificación de los amantes en la rosa y el clavel unido al caballo nos sitúan también en el plano pasional de la trágedia, la rosa símbolo de la mujer tiene otras referencias en el texto a la novia , así ,cuando la muchacha en el tercer cuadro le cuenta a la suegra que a la novia le han comprado una medias de seda con una rosa en el muslo, Lorca está haciendo una clara alusión al sexo femenino. Y no podemos olvidar que ,según la madre, el padre del novio “olía a clavel”. En cuanto al caballo cabría preguntarse cuán estrechamente están relacionadas la sed y el apetito sexual. El caballo de la nana se niega a beber , sin embargo, al final de la nana “el caballo se pone a beber” ,“el caballo se pone a llorar” , tras calmar su apetito sexual solo quedarán lágrimas ya que en una cultura marcada por el pecado y la culpa, la transgresión de la norma ha de pagarse con la muerte.
Lo real y lo mítico se ve patente en la relación que se establece entre la tierra y el mundo rural. La madre que en el primer acto se identifica con la tierra muestra esa dualidad Lorquiana. Por un lado el apego de la madre a la tierra, en un sentido de propiedad ,y por otro lado, la madre ligada a la tierra que desde tiempos ancestrales es el símbolo del origen y fin de la existencia. La madre es la defensora de lo espiritual y de lo material. Así cuando el hijo propone a la madre ir a vivir con ellos tras su matimonio la madre se niega diciendo:
“No, yo no puedo dejar aquí solos a tu padre y a tu hermano . Tengo que ir todas las mañanas, y si me voy es fácil que muera uno de los Félix, uno de la familia de los matadores y lo entierren al lado.¡y eso si que no!¡ca!¡eso si que no! Porque con las uñas los desentierro y yo solas los machaco contra la tapia.
José Ortega3 dice de la figura de la madre:
“Este trágico personaje tiene, como otras figuras de los dramas lorquianos , un valor
dual por encarnar una concreta problemática social- la mujer del campo interesada en preservar y aumentar sus bienes – y una abstracta , simbólica , como fuerza del destino, la muerte, o la madre devoradora”.
La tierra y la dureza del trabajo que en ella se desarrolla salpica toda la obra. Lorca destaca esta dureza para resaltar los aspectos de la vida rural pero también para justificar la dureza de las relaciones. La dureza de la vida rural se puede ejemplificar con el comentario que hace el padre de la novia de sus tierras cuando dice:
“en mi tiempo, ni esparto daba esta tierra. Ha sido necesario castigarla y hasta llorarla, para que nos de algo provechoso”
Tras el matrimonio la novia irá a vivir a un secano,a una tierra tan estéril como el matrimonio, mientras que el padre del novio estando vivo “plantó diez cerezos , los tres nogales del molino, toda una viña y una planta que se llama Jupiter y que da flores encarnadas” y que como sus flores no tienen valor “se seco”.
La novia es consciente de que su matrimonio al igual que el de su madre hará que ella se consuma, ya que su madre también fue acusada de casarse sin querer a su marido, pero ella tiene orgullo y por eso se casa ,aun sabiendo que como dice la madre en el tercer cuadro del primer acto, el matrimonio es “un hombre, unos hijos y una pared de dos varas para todo lo demás”. Sin embargo, Leonardo sabe que un matrimonio por orgullo o despecho es algo estéril y que de nada sirve negarse a las pasiones , al amor pasional que se crea en el centro mismo de nuestro ser. Y así se lo dice en el cuadro primero del seguno acto
<< LEONARDO: El orgullo no te servirá de nada
NOVIA: ¡No te acerques!
LEONARDO: Callar y quemarse es el castigo más grande que nos podemos echar encima .¿De que me sirvió a mi el orgullo y el no mirarte y dejarte despierta noches y noches? ¡De nada!¡Sirvió para echarme fuego encima! Porque tú crees que el tiempo cura y que las paredes tapan , y no es verdad , no es verdad. ¡cuando las cosas llegan a los centros no hay quien los
arranquen!>>
El segundo acto viene representado por la boda , tanto el primer cuadro como el segundo terminan y comienzan con cantos populares a la novia. En la edición anteriormente citada de Josephs y Caballero, se apunta a la relación que existe entre la tragedia lorquiana y la tragedia clásica griega, ya que los coros que acompañaban a la trágedia griega tenían la misma utilidad que estas canciones entre el segundo y tercer acto : la de “desdibujar el realismo” para entrar en el acto que culmina con la muerte y todos los símbolos a ella asociados.
Este tercer acto adentra al espectador- lector en el mundo mítico ,el bosque donde se desarrollará la acción es un bosque irreal. Josephs y Caballero dicen del bosque :
“Este bosque es ya el bosque, como el bosque mítico que en los mitos y las religiones antiguas significa el dominio de la Gran Diosa Madre y en la psicología de Jung el inconsciente”
Si en la boda los coros los hacían los invitados, será en el bosque donde los leñadores canten como un coro sobrenatual, un coro de invocación a la luna. Que se de “caza” ,como dice el mozo al novio, a los fugados depende de que esa luna de luz a la oscuridad del bosque. Todo se conjura para que el factum trágico ,y que se ha anunciado durante toda la obra, se lleve a cabo. La navaja, el caballo, y las referencias florales que hacen alusión a las vidas segadas por los Félix se unen a los habitantes del bosque como elementos simbólicos de la muerte. La mendiga ,que enseñara el camino al novio para encontrar a los fugados ,y la luna en su clarear seran los medios para dar muerte, para que la navaja vuelva a derramar sangre. Y es que la muerte se nutre de sangre y así la luna dice:
“No quiero sombras . Mis rayos han de entrar por todas partes ,
y haya en los troncos oscuros
un rumor de claridades,
para que esta noche tengan
mis mejillas dulce sangre[...]”
La mendiga , los leñadores y la luna forman una trilogía que como en la tradición cristiana forman un solo ser : la muerte.
Muertos los dos hombres solo quedan las mujeres y cuando estas se ponen frente a frente, se produce en el texto uno de los díalogos con más carga emocional y de mayor dureza . La novia insiste en su inocencia en que no hizo nada con Leonardo y que ella queria casarse y que si se fue con Leonardo es porque se sintio arrastrada por una fuerza superior , la fuerza de la atracción sexual que ambos sentían.
Como conclusión se puede decir que el binomio amor muerte funciona a la perfección en Bodas de sangre.La novia y Leonardo son la representación del amor pandémico y celeste que no conoce barreras , que no se ata a convenciones sociales. El amor se convierte en tragedia cuando es la sociedad la que dictamina la culpabilidad de quienes rompen esas ataduras. Lorca resalta la superioridad de la pasión , la que mueve los instintos y no atiende a la razón. La muerte tiene un doble planteamiento: la de la justicia al castigar los comportamientos pecaminosos. Y la que plantea la novia al final del tercer acto: morir para descansar juntos los tres eternamente. Sin embargo, Lorca quien, como alquimista conjuga misticismo y realidad en esta obra, permitirá que la novia viva, pues ,solo asi acercará su obra al plano social dejando para el plano mítico y atávico la venganza y la muerte venida de ella.
FUENTES PRIMARIAS
GARCÍA LORCA,Federico, Bodas de sangre, edición de Allen Josephs y Juan Caballero, Barcelona, ed.Cátedra 2009
FUENTES SECUNDARIAS
GARCÍA LORCA, Federico, Bodas de sangre, edición de Fernando Lázaro Carreter, Madrid, ed. Espasa Calpe; col. Austral Teatro2007
ORTEGA,José, Conciencia estética y social en la obra de García Lorca,ed. Universidad de Granada 1989
Para la mañana de ayer se había concertado la boda de una hija del cortijero, joven de veinte años.
En la casa se hallaban esperando la hora de la ceremonia el novio y numerosos invitados. Como la hora se acercaba y la novia no llegaba ni aparecía por la casa, los invitados se retiraron contrariados. Uno de estos encontró a una distancia de ocho kilómetros del cortijo el cadáver ensangrentado de un primo de la novia que iba a casarse, apellidado Montes Cañada, de treinta y cuatro años. A las voces de auxilio del que hizo el hallazgo acudieron numerosas personas que regresaban de la cortijada y la Guardia Civil , que logró dar con la novia , que se hallaba oculta en un lugar próximo al que estaba el cadáver y con las ropas desgarradas.
Detenida la novia, manifestó que había huido en unión de su primo para burlar al novio. La fuga la emprendieron en una caballería, y al llegar al lugar del crimen les salió al encuentro un enmascarado, que hizo cuatro disparos, produciendo la muerte a Montes Cañada.
También fue detenido el novio , quien niega toda participación en el crimen, que hasta ahora aparece envuelto en el mayor misterio.
Diario ABC,25 de Julio de 1928, pag 22
Trás la lectura de este truculento suceso, Lorca comenzaría el proceso creador de una obra que convertiría la telúrica y dramática realidad de un pueblo en una tragedia poética, cuyo plano de acción esta situado en el amor pasional. Lorca pensaba que el teatro tenía que “explicar con ejemplos vivos normas eternas del corazón y del sentimiento del hombre”1. La conjunción de realismo y misticismo hacen de Bodas de Sangre una obra donde se ponen de manifiesto el ambiente del campo español , su carácter cerrado además de las características de lo que se ha denominado como la España profunda.
La obra se divide en tres actos y siete cuadros . Los tres cuadros del primer acto exponen la base del conflicto anteriores a la tragedia. En el cuadro primero se introduce al espectador- lector, mediante la figura de la madre, al conflicto entre la familia del novio y la familia de Leonardo cuyo conflicto ha provocado un gran derramamiento de sangre , un profundo dolor y gran resentimiento en las respectivas familias. El novio y Leonardo están abocados a la rivalidad, tanto por las familias como por la relación que ha existido anteriormente entre la futura esposa del novio y Leonardo. Todo el primer acto tiene como función condensar los presentimientos de un desenlace fatal. La madre alude a un pasado que no puede olvidar
<< MADRE: ... Y ese hombre que no vuelve . O si vuelve es para ponerle una palma encima o un plato de sal gorda para que no se hinche. No sé cómo te atreves a llevar una navaja en tu cuerpo , ni cómo dejo a la serpiente dentro del arcón.
NOVIO: ¿Está bueno ya?
MADRE: Cien años que yo viviera, no hablaría de otra cosa. Primero tu padre; que olía a clavel y lo disfruté tres años escasos. Luego tu hermano. ¿Y es justo y puede ser que cosa pequeña como una pistola o una navaja pueda acabar con un hombre , que es un toro? No callaría nunca. Pasan los meses y la desesperación
me pica en los ojos y hasta en las puntas del pelo. >>
La tensión dramámatica se incrementa de manera progresiva en estos tres cuadros, es notale como el número tres es una costante en estos cuadros. Allen Josephs y Juan Caballero, en la edición a Bodas de Sangre2 ,apuntan al número tres como una prefiguración del triángulo amoroso de la novia , Leonardo y el novio. Será un número que aparecerá en numerosas ocasiones durante la obra ya que, tres eran los años que la madre del novio estuvo casada, tres serán los leñadores y será a las tres de la mañana cuando Leonardo visite a la novia. La prefiguración de lo mítico viene dada por elementos como los mencionados , el número tres como elemento de conjunción de un solo ente complejo y pilar fundamental de la religión católica, las referencias a la serpiente, que en Andalucia es señal de mal agüero, y símbolo por antonomasia del mal en la tradicón cristiana. La tensión que provocan las premoniciones quedan condensadas en la nana que canta la mujer de Leonardo y la suegra al final del segundo cuadro.
<
dentro de los ojos
un puñal de plata
Bajaban al río.
¡Ay,como bajaban!
La sangre corría
más fuerte que el agua
Duérmete, clavel,
que el caballo se pone a beber
SUEGRA: Duérmete, rosal
que el caballo se pone a llorar.>>
La nana cierra el cuadro, pero al mismo tiempo abre la historia al lector , ya que de una manera indirecta, Lorca nos cuenta que va a pasar en la historia , el puñal de plata aparece como símbolo de la muerte en un sentido casi ceremonial,ya que implica un derramamiento de sangre y esto está muy ligado a todas las religiones y culturas, a la redención del pecado mediante el derramamiento de sangre, pero también a nuestra tradición literaría ,donde la mancha en la honra se limpiaba o cobraba mediante la sangre de quién la honra había manchado.
La personificación de los amantes en la rosa y el clavel unido al caballo nos sitúan también en el plano pasional de la trágedia, la rosa símbolo de la mujer tiene otras referencias en el texto a la novia , así ,cuando la muchacha en el tercer cuadro le cuenta a la suegra que a la novia le han comprado una medias de seda con una rosa en el muslo, Lorca está haciendo una clara alusión al sexo femenino. Y no podemos olvidar que ,según la madre, el padre del novio “olía a clavel”. En cuanto al caballo cabría preguntarse cuán estrechamente están relacionadas la sed y el apetito sexual. El caballo de la nana se niega a beber , sin embargo, al final de la nana “el caballo se pone a beber” ,“el caballo se pone a llorar” , tras calmar su apetito sexual solo quedarán lágrimas ya que en una cultura marcada por el pecado y la culpa, la transgresión de la norma ha de pagarse con la muerte.
Lo real y lo mítico se ve patente en la relación que se establece entre la tierra y el mundo rural. La madre que en el primer acto se identifica con la tierra muestra esa dualidad Lorquiana. Por un lado el apego de la madre a la tierra, en un sentido de propiedad ,y por otro lado, la madre ligada a la tierra que desde tiempos ancestrales es el símbolo del origen y fin de la existencia. La madre es la defensora de lo espiritual y de lo material. Así cuando el hijo propone a la madre ir a vivir con ellos tras su matimonio la madre se niega diciendo:
“No, yo no puedo dejar aquí solos a tu padre y a tu hermano . Tengo que ir todas las mañanas, y si me voy es fácil que muera uno de los Félix, uno de la familia de los matadores y lo entierren al lado.¡y eso si que no!¡ca!¡eso si que no! Porque con las uñas los desentierro y yo solas los machaco contra la tapia.
José Ortega3 dice de la figura de la madre:
“Este trágico personaje tiene, como otras figuras de los dramas lorquianos , un valor
dual por encarnar una concreta problemática social- la mujer del campo interesada en preservar y aumentar sus bienes – y una abstracta , simbólica , como fuerza del destino, la muerte, o la madre devoradora”.
La tierra y la dureza del trabajo que en ella se desarrolla salpica toda la obra. Lorca destaca esta dureza para resaltar los aspectos de la vida rural pero también para justificar la dureza de las relaciones. La dureza de la vida rural se puede ejemplificar con el comentario que hace el padre de la novia de sus tierras cuando dice:
“en mi tiempo, ni esparto daba esta tierra. Ha sido necesario castigarla y hasta llorarla, para que nos de algo provechoso”
Tras el matrimonio la novia irá a vivir a un secano,a una tierra tan estéril como el matrimonio, mientras que el padre del novio estando vivo “plantó diez cerezos , los tres nogales del molino, toda una viña y una planta que se llama Jupiter y que da flores encarnadas” y que como sus flores no tienen valor “se seco”.
La novia es consciente de que su matrimonio al igual que el de su madre hará que ella se consuma, ya que su madre también fue acusada de casarse sin querer a su marido, pero ella tiene orgullo y por eso se casa ,aun sabiendo que como dice la madre en el tercer cuadro del primer acto, el matrimonio es “un hombre, unos hijos y una pared de dos varas para todo lo demás”. Sin embargo, Leonardo sabe que un matrimonio por orgullo o despecho es algo estéril y que de nada sirve negarse a las pasiones , al amor pasional que se crea en el centro mismo de nuestro ser. Y así se lo dice en el cuadro primero del seguno acto
<< LEONARDO: El orgullo no te servirá de nada
NOVIA: ¡No te acerques!
LEONARDO: Callar y quemarse es el castigo más grande que nos podemos echar encima .¿De que me sirvió a mi el orgullo y el no mirarte y dejarte despierta noches y noches? ¡De nada!¡Sirvió para echarme fuego encima! Porque tú crees que el tiempo cura y que las paredes tapan , y no es verdad , no es verdad. ¡cuando las cosas llegan a los centros no hay quien los
arranquen!>>
El segundo acto viene representado por la boda , tanto el primer cuadro como el segundo terminan y comienzan con cantos populares a la novia. En la edición anteriormente citada de Josephs y Caballero, se apunta a la relación que existe entre la tragedia lorquiana y la tragedia clásica griega, ya que los coros que acompañaban a la trágedia griega tenían la misma utilidad que estas canciones entre el segundo y tercer acto : la de “desdibujar el realismo” para entrar en el acto que culmina con la muerte y todos los símbolos a ella asociados.
Este tercer acto adentra al espectador- lector en el mundo mítico ,el bosque donde se desarrollará la acción es un bosque irreal. Josephs y Caballero dicen del bosque :
“Este bosque es ya el bosque, como el bosque mítico que en los mitos y las religiones antiguas significa el dominio de la Gran Diosa Madre y en la psicología de Jung el inconsciente”
Si en la boda los coros los hacían los invitados, será en el bosque donde los leñadores canten como un coro sobrenatual, un coro de invocación a la luna. Que se de “caza” ,como dice el mozo al novio, a los fugados depende de que esa luna de luz a la oscuridad del bosque. Todo se conjura para que el factum trágico ,y que se ha anunciado durante toda la obra, se lleve a cabo. La navaja, el caballo, y las referencias florales que hacen alusión a las vidas segadas por los Félix se unen a los habitantes del bosque como elementos simbólicos de la muerte. La mendiga ,que enseñara el camino al novio para encontrar a los fugados ,y la luna en su clarear seran los medios para dar muerte, para que la navaja vuelva a derramar sangre. Y es que la muerte se nutre de sangre y así la luna dice:
“No quiero sombras . Mis rayos han de entrar por todas partes ,
y haya en los troncos oscuros
un rumor de claridades,
para que esta noche tengan
mis mejillas dulce sangre[...]”
La mendiga , los leñadores y la luna forman una trilogía que como en la tradición cristiana forman un solo ser : la muerte.
Muertos los dos hombres solo quedan las mujeres y cuando estas se ponen frente a frente, se produce en el texto uno de los díalogos con más carga emocional y de mayor dureza . La novia insiste en su inocencia en que no hizo nada con Leonardo y que ella queria casarse y que si se fue con Leonardo es porque se sintio arrastrada por una fuerza superior , la fuerza de la atracción sexual que ambos sentían.
Como conclusión se puede decir que el binomio amor muerte funciona a la perfección en Bodas de sangre.La novia y Leonardo son la representación del amor pandémico y celeste que no conoce barreras , que no se ata a convenciones sociales. El amor se convierte en tragedia cuando es la sociedad la que dictamina la culpabilidad de quienes rompen esas ataduras. Lorca resalta la superioridad de la pasión , la que mueve los instintos y no atiende a la razón. La muerte tiene un doble planteamiento: la de la justicia al castigar los comportamientos pecaminosos. Y la que plantea la novia al final del tercer acto: morir para descansar juntos los tres eternamente. Sin embargo, Lorca quien, como alquimista conjuga misticismo y realidad en esta obra, permitirá que la novia viva, pues ,solo asi acercará su obra al plano social dejando para el plano mítico y atávico la venganza y la muerte venida de ella.
FUENTES PRIMARIAS
GARCÍA LORCA,Federico, Bodas de sangre, edición de Allen Josephs y Juan Caballero, Barcelona, ed.Cátedra 2009
FUENTES SECUNDARIAS
GARCÍA LORCA, Federico, Bodas de sangre, edición de Fernando Lázaro Carreter, Madrid, ed. Espasa Calpe; col. Austral Teatro2007
ORTEGA,José, Conciencia estética y social en la obra de García Lorca,ed. Universidad de Granada 1989
jueves, 25 de noviembre de 2010
Tras la máscara del gesiculador
Como en un carnaval continuo la sociedad se pone su máscara. Quienés somos y quién queremos ser nos lleva en ocasiones a disfrazar el yo para ser el otro, porque, en ocasiones ,solo siendo el otro podemos llevar a cabo nuestros anhelos, porque solo siendo el otro podemos liberarnos de las frustraciones y las limitaciones de quien realmente somos.
Luis Tavira comentando El teatro histórico en la trilógia antihistórica de Rodolfo Usigli dice:
“Hay una revolución implícita en esa urgencia de verdad: Usigli parte de la observación del caso particular trivial de la vida diaria a una universalización de lo mexicano”.
El gesticulador trata sobre la máscara, la mentira que oculta al hombre y sus ideales y como la mentira puede ser o no la vía para llegar a ser quien el hombre quiere ser. Octavio Paz en Máscara mexicanas, pag.176 dice que “nuestras mentiras reflejan simultaneamente nuestras carencias y nuestros apetitos , lo que no somos y lo que deseamos ser .” César Rubio el protagonista de El gesticulador que ha trabajado como profesor de historia en la universidad de México por unos pocos pesos, sabe de su fracaso, es consciente de que la vuelta a su pueblo natal es la consecuencia de no haber logrado sus anhelos de dirigir la universidad. La vuelta a la tierra es el recurso para acabar con el finjimiento llevado en la capital y del cual tanto se lamentan sus hijos. Y sabe que es un fracasado pero también reconoce que “esta dispuesto a todo”2 para asegurar el porvenir de sus hijos. En ese afán por dar todo a sus hijos, en ese afán de ser reconocido dejará que todo el mundo piense que él es el revolucionario mexicano que lleva su mismo nombre y que ha nacido en su mismo pueblo.
Octavio Paz como si de un forense se tratase, en el artículo ántes mencionado, secciona la sociedad mexicana mostrando la idiosincracia de un pueblo escondido tras una máscara donde la historia y la revolución han marcado el carácter de una nación. Para Octavio Paz la historia de México y del mexicano consiste en una lucha entre “formas y fórmulas” y dice hablando de México que “nuestras fórmulas jurídicas y morales , mutilan con frecuencia nuestro ser, nos impiden expresarnos y niegan satisfación a nuestros apetitos vitales” así el hombre mexicano “es un compuesto , y el mal y el bien se mezclan sutilmente en su alma”. Los personajes de El gesticulador son reflejo de esas formas y fórmulas, son personajes que se situan moralmente entre el bien y el mal, entre lo que son y lo que desean ser. César opta por vender “la verdad” que Bolton , el profesor americano quiere oir, y es que, él mismo es el revolucionario que ha desaparecido , que ha dejado de hacer la revolución con las armas y la política para hacer la revolución desde la educación. César permite que Bolton publique la información que le ha dado con una única premisa que es la de callar la identidad del revolucionario. Es notable la afirmación que hace Paz cuando escribe “el macho es un ser hermético , encerrado en sí mismo, capaz de guardarse y guardar lo que se le confía”, cabría preguntarse si Usigli considera poco “machos” a los norteamericanos,ya que este desvela el secreto, o quizás cuestiona el hecho de que como profesor en una universidad que da todas las facilidades para la investigación y la proyección profesional nunca tendrá que enfrentarse con valentía y hombría a los fantasmas del fracaso que acosan a César Rubio.
Las máscaras del universo mexicano no dejan fuera a sus mujeres Octavio Paz en la panorámica social que plantea dice de ellas:
“las mujeres son seres inferiores porque, al entregarse ,se abren. Su inferioridad es constitucional y radica en su sexo ,en su rajada ,herida que jamás cicatriza.”
“la mujer encarna la voluntad de la vida, que es por esencia impersonal, y en este hecho radica su imposibilidad de tener una vida personal. Ser ella misma , dueña de su deseo, su pasión ,o su capricho,es ser infiel a si misma”
En el gesticulador estas dos afirmaciones de Paz son plenamente visibles en los personajes de Elena y Julia, la madre supeditada a los desvarios de su marido, ve claramente que el que César continue alimentando la mentira en la que vive les llevará al desastre sin embargo,se supedita a él, no continua en su reclamación de parar la situación, y cuando ya todo es imparable ella solo le reclama atención, que vuelva a ser él mismo, el mismo hombre con el que se había casado, porque solo entonces le tenía para ella sola.
Julia que esta enamorada de un chico de la capital suspira por un cariño que de él nunca recibió , su condición de fea la supedita a un padre con poder para que los demás la vean bella, no y es sino en el momento en que su padre logra tal poder cuando pierde esa amargura que tenía al llegar al pueblo, pierde entonces toda capacidad de crítica para traicionandose así misma emborachandose del poder politico paterno. Sin duda el papel de Julia es crítica a una sociedad burguesa e hipócrita donde el tener una posición social elevada es moneda de cambio incluso para los sentimientos.
Octavio Paz reconoce ala mujer como parte mediadora al decir
“Gracias a ella se suavizan muchas de las asperezas de nuestras relaciones de “hombre a hombre””
Elena como madre cumple esa función en la obra con total claridad, al escuchar Miguel la conversación de su padre con Navarro y ser Rubio consciente de que su hijo ha descubierto la falsa en la que viven este demanda de su mujer que interceda en la relación de él y su hijo:
“es bueno que hables con Miguel. Es la única inquietud que me llevo : estubo muy extraño hace un rato; me parece que sabe algo. Tranquilízalo, Elena, es mi hijo.”
Sin duda Elena , como dice Paz, es un “símbolo que representa la estabilidad y continuidad de la raza.`[...]en la vida diaria su función consiste en hacer imperar la ley y el orden , la piedad y la dulzura”.
Cabe preguntarse por qué nadie denuncia la mentira, por qué todos dan por verdad la falsa identidad del profesor. Todos tienen un motivo para seguir tas la máscara del gesticulador :Elena no puede traicionar a su marido, seria traicionarse así misma, Julia perdería la posibilidad de tener un marido y Miguel antepone su deber como hijo a su busqueda de la verdad y Navarro consigue alzarse en el poder y asesinar doblemente al revolucionario dejando limpia de mancha su biografía. Pues como dice Paz “la mentira es un juego trágico, en el que arriesgamos parte de nuestro ser . Por eso es estéril su denuncia”
Como conclusión decir que morir tras la máscara permite a Rubio lo que señala Teodosio Fernández en Historia de la literatura hispanoamericana, pag.865:
“Usigli hizo morir a ese farsante en defensa de ideales auténticos , ideales que quedaran de nuevo a merced de sus asesinos y de todos los que habían participado de la falsificación y la corrupción del México posrevolucionario”
Luis Tavira comentando El teatro histórico en la trilógia antihistórica de Rodolfo Usigli dice:
“Hay una revolución implícita en esa urgencia de verdad: Usigli parte de la observación del caso particular trivial de la vida diaria a una universalización de lo mexicano”.
El gesticulador trata sobre la máscara, la mentira que oculta al hombre y sus ideales y como la mentira puede ser o no la vía para llegar a ser quien el hombre quiere ser. Octavio Paz en Máscara mexicanas, pag.176 dice que “nuestras mentiras reflejan simultaneamente nuestras carencias y nuestros apetitos , lo que no somos y lo que deseamos ser .” César Rubio el protagonista de El gesticulador que ha trabajado como profesor de historia en la universidad de México por unos pocos pesos, sabe de su fracaso, es consciente de que la vuelta a su pueblo natal es la consecuencia de no haber logrado sus anhelos de dirigir la universidad. La vuelta a la tierra es el recurso para acabar con el finjimiento llevado en la capital y del cual tanto se lamentan sus hijos. Y sabe que es un fracasado pero también reconoce que “esta dispuesto a todo”2 para asegurar el porvenir de sus hijos. En ese afán por dar todo a sus hijos, en ese afán de ser reconocido dejará que todo el mundo piense que él es el revolucionario mexicano que lleva su mismo nombre y que ha nacido en su mismo pueblo.
Octavio Paz como si de un forense se tratase, en el artículo ántes mencionado, secciona la sociedad mexicana mostrando la idiosincracia de un pueblo escondido tras una máscara donde la historia y la revolución han marcado el carácter de una nación. Para Octavio Paz la historia de México y del mexicano consiste en una lucha entre “formas y fórmulas” y dice hablando de México que “nuestras fórmulas jurídicas y morales , mutilan con frecuencia nuestro ser, nos impiden expresarnos y niegan satisfación a nuestros apetitos vitales” así el hombre mexicano “es un compuesto , y el mal y el bien se mezclan sutilmente en su alma”. Los personajes de El gesticulador son reflejo de esas formas y fórmulas, son personajes que se situan moralmente entre el bien y el mal, entre lo que son y lo que desean ser. César opta por vender “la verdad” que Bolton , el profesor americano quiere oir, y es que, él mismo es el revolucionario que ha desaparecido , que ha dejado de hacer la revolución con las armas y la política para hacer la revolución desde la educación. César permite que Bolton publique la información que le ha dado con una única premisa que es la de callar la identidad del revolucionario. Es notable la afirmación que hace Paz cuando escribe “el macho es un ser hermético , encerrado en sí mismo, capaz de guardarse y guardar lo que se le confía”, cabría preguntarse si Usigli considera poco “machos” a los norteamericanos,ya que este desvela el secreto, o quizás cuestiona el hecho de que como profesor en una universidad que da todas las facilidades para la investigación y la proyección profesional nunca tendrá que enfrentarse con valentía y hombría a los fantasmas del fracaso que acosan a César Rubio.
Las máscaras del universo mexicano no dejan fuera a sus mujeres Octavio Paz en la panorámica social que plantea dice de ellas:
“las mujeres son seres inferiores porque, al entregarse ,se abren. Su inferioridad es constitucional y radica en su sexo ,en su rajada ,herida que jamás cicatriza.”
“la mujer encarna la voluntad de la vida, que es por esencia impersonal, y en este hecho radica su imposibilidad de tener una vida personal. Ser ella misma , dueña de su deseo, su pasión ,o su capricho,es ser infiel a si misma”
En el gesticulador estas dos afirmaciones de Paz son plenamente visibles en los personajes de Elena y Julia, la madre supeditada a los desvarios de su marido, ve claramente que el que César continue alimentando la mentira en la que vive les llevará al desastre sin embargo,se supedita a él, no continua en su reclamación de parar la situación, y cuando ya todo es imparable ella solo le reclama atención, que vuelva a ser él mismo, el mismo hombre con el que se había casado, porque solo entonces le tenía para ella sola.
Julia que esta enamorada de un chico de la capital suspira por un cariño que de él nunca recibió , su condición de fea la supedita a un padre con poder para que los demás la vean bella, no y es sino en el momento en que su padre logra tal poder cuando pierde esa amargura que tenía al llegar al pueblo, pierde entonces toda capacidad de crítica para traicionandose así misma emborachandose del poder politico paterno. Sin duda el papel de Julia es crítica a una sociedad burguesa e hipócrita donde el tener una posición social elevada es moneda de cambio incluso para los sentimientos.
Octavio Paz reconoce ala mujer como parte mediadora al decir
“Gracias a ella se suavizan muchas de las asperezas de nuestras relaciones de “hombre a hombre””
Elena como madre cumple esa función en la obra con total claridad, al escuchar Miguel la conversación de su padre con Navarro y ser Rubio consciente de que su hijo ha descubierto la falsa en la que viven este demanda de su mujer que interceda en la relación de él y su hijo:
“es bueno que hables con Miguel. Es la única inquietud que me llevo : estubo muy extraño hace un rato; me parece que sabe algo. Tranquilízalo, Elena, es mi hijo.”
Sin duda Elena , como dice Paz, es un “símbolo que representa la estabilidad y continuidad de la raza.`[...]en la vida diaria su función consiste en hacer imperar la ley y el orden , la piedad y la dulzura”.
Cabe preguntarse por qué nadie denuncia la mentira, por qué todos dan por verdad la falsa identidad del profesor. Todos tienen un motivo para seguir tas la máscara del gesticulador :Elena no puede traicionar a su marido, seria traicionarse así misma, Julia perdería la posibilidad de tener un marido y Miguel antepone su deber como hijo a su busqueda de la verdad y Navarro consigue alzarse en el poder y asesinar doblemente al revolucionario dejando limpia de mancha su biografía. Pues como dice Paz “la mentira es un juego trágico, en el que arriesgamos parte de nuestro ser . Por eso es estéril su denuncia”
Como conclusión decir que morir tras la máscara permite a Rubio lo que señala Teodosio Fernández en Historia de la literatura hispanoamericana, pag.865:
“Usigli hizo morir a ese farsante en defensa de ideales auténticos , ideales que quedaran de nuevo a merced de sus asesinos y de todos los que habían participado de la falsificación y la corrupción del México posrevolucionario”
lunes, 14 de junio de 2010
La ESPAÑA DE GUERRA Y POSGUERRA
EN LOS CUENTOS
DE
JESÚS FERNÁNDEZ SANTOS
RAQUEL MARTÍN REDONDO
Para los que somos hijos de la democracia, la guerra y los años que la sucedieron es lago que leímos en manuales de historia o simplemente el argumento de numerosos relatos por parte de nustros padres y abuelos. Sin embargo, la guerra civil española y los cuarenta años de dictadura que de ella se derivarón han marcado el carácter de este nuestro país. Cuantas veces habremos oido eso de ʽen mis tiempos nos comiamos hasta las mondas de las patatasʼ o ʽcuando yo era niño no teniamos jugetes con cualquier cosa nos entreteníamosʼ. Cuando leí por primera vez Cabeza rapada” no pude evitar ver en el texto un aire de familiaridad, una familiaridad de tarde de domingo en casa de los abuelos, la familiaridad de las historias contadas en primera persona con la veracidad que imprime a un relato oral la rememoración de lo vivido.
“Cabeza Rapada” se publicó en el año 1958 y en mi opinión además de ser un delicioso conjunto de cuentos también es un fiel documental de la España en la Guerra Civil y los años que la precedieron. Jesús Fernandez Santos que fue parte de esos niños de la guerra y parte de la intelectualidad de la posguerra que encontraron en la creación literaria “un medio para mostrar la relidad de una nación que los periodicos no decían”1. Y por supuesto un medio de denuncia para cambiar la sociedad en la que vivían. Frente al lenguaje grandilocuente del fascismo la sencillez de palabra, frente al mundo de la altanería nacional la España de misería, frente a la dictadura las ansias de libertad.
El cine neorrealista italiano llegó a España en el año 1950, anteriormente a ese año en Italia se habia comenzado una nueva forma de narrar y de hacer cine. Esas peliculas recogían la vida de “don nadie”, donde lo importante es sentir la vida cotidiana , conocer las causas y los efectos de toda acción. La ralidad como primacia en toda creación fue el medio para mostrar la realidad de la guerra y el fascismo alojado en Europa. Sin duda la llegada a España de películas como El ladrón de bicicletas, Paisá, Alemania año cero ,o ,Roma ciudad abierta fueron de gran influencia para los intelectuales españoles en los años 50, encontrando en estas peliculas una nueva forma de narrar, colocandose detrás de la cámara para mostrar explicitamente la realidad y dejar de manera implicita un mensaje de denuncia que el lector debe encontar y asimilar.
Los cuentos de Fernández Santos ofrecen, en mi opinión, una panorámica de la España de posguerra y además el conjunto de recuerdos, de vivencias de la guerra que determinarían quien sería en la España de la posguerra.
El mundo de los niños es sin duda el de mayor aparición en estos cuentos, la guerra vista, vivida , sufrida , y contada por niños. La cruel guerra en boca de la inocencia y en manos de quién en el futuro deberían cambiar la sociedad y aprender a no repetir la historia.
Ellos sufren la enfermedad y la orfandad como ,en el cuento que abre la colección, Cabeza Rapada, la pobreza y la miseria, la muerte y la soledad y esto es única y exclusivamente responsabilidad de los adultos. De ahí que en los cuentos de Fernandez Santos podamos leer:
Otro rasgo que muestra como dañan las mentes infantiles los adultos es la reproducción de los aspectos más negativos del mundo adulto, la guerra y la violencia. Los niños juegan a la guerra reproducen los roles adultos en sus juegos hasta que la realidad golpea sus mentes marcandoles de por vida. En el cuento El primo Rafael los niños juegan en el monte a la guerra, encuentran divertimento entre trincheras, todo es un juego hasta que el pobre Luis se topa con un cadáver carbonizado del que solo quedan las reconocibles las botas. En mi opinión este es el cuento que mejor refleja la vida de los niños durante la guerra, ellos son espectadores y victimas sin saberlo de la locura adulta. Fernández Santos situa la acción en la sierra madrileña, en una zonas de casas de fin de semana y vacaciones. Allí los dos niños seran testigos de los bombardeos de la lucha en la sierra, se enfrentaran cara a cara con las heridas de la batalla.
" El primo Rafael también estaba allí.miraba al soldado fatigado,
con su cara ensangrentada. Como él , como Julito, le vió salir de
entre los pinos en las cercanías de la estación."
Los niños de los cuentos de Fernández Santos vagan solos, como vagan solos los niños que hoy en día sufren grandes tragedias. Son niños habituados a la noche a la soledad y al frio, así el niño de Cabeza rapada deambula en compañia de un amigo por la ciudad, y los primos Rafael y Julito, exploran en la oscuridad de la noche los hoteles abandonados por los turistas en busca de algo que robar. Los niños juegan a ser adultos, los juegos de guerra y la imitación de los comportamientos de los mayores que leemos en Una fiesta es muestra de la realidad propia y exclusiva en la que viven los niños de la guerra.
Un elemento comun en los cuentos de Jesús Fernández Santos es la enfermedad y que imposibilita en la mayoria de los casos la sanación de los personajes. En Cabeza rapada la imposibilidad de que ese niño sane ,y se vea condenado a la muerte ,es la falta de dinero para pagar la consulta médica y la explicación de esto la narra con un dolor que traspasa la sensibilidad del lector:
"Está muy mal. No tiene dinero. No se puede poner bien porque no tiene dinero. Está tísico. Si pidiera a la gente que pasa, no reuniría ni diez pesetas. Se tiene que morir."
En El primo Rafael, este sufre el atropello de un camión militar, que por supuesto no le asiste , enfermo, herido gravemente es trasladado en un camión junto a los demás expatriados a Segovia y al aparecer los soldados es bajado del camión con los demás finalmente quedará lisiado y con el funesto presagio de una muerte segura.
En la guerra y en la posguerra la falta de alimento, las deficiencias sanitarias la escased de dinero fueron el motivo de muerte, la impasividad con la que la sociedad vivia y asumía la miseria en la que vivían también fue causa de muchas muertes.
Otros de los males de la guerra y que Fernández Santos recoge en sus cuentos, fue la separación familiar, como en una sola noche las familias quedaban rotas y separadas por el frente. En el cuento Muy lejos de Madrid el corte del ferrocarril separa a un padre de sus hijos y su mujer. Los movimientos escapando del frente separaran definitivamente a esta familia.En este cuento se plantea, también mediante un niño, la busqueda de la verdad. Los niños de la guerra necesitan respuestas verdaderas que jamás reciben. Los niños cuestionan por qué su padre no está con ellos y cúando volverán a Madrid. Ellos nunca obtendrán respuesta, pero el lector ,a través de las lágrimas finales de su madre sabe que nunca se reunirán, que nunca volverán a Madrid.
Al igual que en el cine neorrealista italiano los niños son el medio para que el lector -espectador sienta y perciba cuales son los sentimientos del mundo adulto. En el Ladrón de bicicletas la ira , la frustración y el cansancio de ese don nadie que es el padre se ve reflejado en las expresiones de un niño que es mero observador y acompañante en esa busqueda de la bicileta robada. En los cuentos de Férnandez Santos sucede algo parecido, el miedo y la tristeza no aparecen en los personajes adultos de una manera explicita pero sí en los niños que a pesar de que viven la guerra entre juegos y con aparente tranquilidad cuando llega la noche son victimas del terror y la pena. Este fragmento de Muy lejos de Madrid ejemplifica esto:
"Sólo cuando las tinieblas se iban acercando, llegaba la tristeza y la melancolía de la noche lejos del hogar, lejos de casa. De bruces sobre el colchón cerca de su hermano , se dormia al instante, pero, a poco, despertaba llamando a su madre."
La libertad que tanto se había anhelado durante la contienda armada y que tanto habia recortado el movimiento represor fascista durante los primeros años de la dictadura tambien es un elemento presente en los cuentos de la colección. Si en Día de caza, el símbolo de tal libertad será el rebeco que todos los años tratan de cazar en el pueblo y que como siempre todos han visto pero ninguno ha cazado. En Llegar a más esa libertad será representada en la bicicleta anhelada por el protagonista, un niño al borde de la adolescencia que trabajará en la mina para poder comprar esa bicicleta que le permita desplazarse a la ciudad. El miedo a no tener esa libertad queda reflejado en los temores de “que el carbón fuera a terminarse antes de poder el comprarse la bicicleta”. Sin embargo no será la ausencia de carbón lo que no le permita disfrutar de su bicicleta sino la enfermedad de pulmón provocada por el trabajo en la mina:
"Frente a la casa, las cumbres se han borrado, fundiendo su último perfil en la noche que avanza. El viento huyó; hay una pausa calida. El camino no es empinado y, sin embargo, hay que hacer un alto para recuperar la respiración perdida. El pecho retumba.
Allí junto a las tablas de cohorte está arrimada la vieja bicicleta que el hijo del nuevo patrón le pide prestada algunos dias para bajar al pueblo. Tanto da ya, regalarla. La trajo pensando alguna vez utilizarla y porque en cierto modo es como un viejo animal al que su destino estuviera ligado"
Este fragmento, nos deja ver que la obtención de esa libertad es importante pero que tambie´n es necesario cuestionarse que uso hacer de esa libertad, preocupación que tambien estaba presente en los escritores de la década de los 50 , como también se puede ver en cuentos como el de Un día de libertad de Carmen Martín Gaíte.
Fernández Santos tambiem hace una importante reflexión en sus cuentos sobre las condiciones laborales de la España de posguerra. Al igual que en el cine neorrealista italiano directores como Vitorio de Sica o Rosselini habían puesto de manifisesto el paro laboral y las condiciones infrahumanas en las que trabajaban los trabajadores , Fernández Santos muestra la cara más dura del trabajo en las minas asturianas en Llegar a más y también en El doble donde un viejo torero se ve impelido a dejarse cornear por un toro arriesgando su vida en la filmación de una película. Ningun sector de la sociedad queda fuera de la mirada de Fernández Santos, las malas condiciones de abastecimiento del ejercito también queda plasmadas en el Sargento donde los militares voluntarios en Cuba mueren por falta de alimentos y medicamentos.
No cabe duda que los años de la guerra y la posguerra fueron tiempos de silencio, la incomunicación, el miedo a expresarse, esa ruptura, esa herida que silencio a un pueblo tras la guerra fraticida también es parte de los cuentos de Fernández Santos. Así vemos en Un día de caza como el tio y sus amigos apenas hablan, en Cabeza rapada nadie habla en el café donde los dos niños pasan. En El primo Rafael mientras que todos se refugián durante el ataque las mujeres rezan el rosario y solo las conversaciones de los adultos se escuchan trás las puertas y estas al igual que los cuchicheos de las primas pronto se callan. La incomunicación es total, como dice el cuento de El sargento: "las cartas nunca llegan a España y nunca de España llega nada".
Otro aspecto que me gustaría destacar de estos cuentos es la sutil crítica que se hace a la iglesia y el papel de esta en la sociedad del momento. Si en el cine italiano como Roma ciudad abierta, el cura del barrio se implica en la ayuda a la resistencia frente al fascismo, los clerigos de los cuentos de Fernández Santos son seres que solo propagan el miedo al infierno y pecaminizan todos los actos de los protagonistas. En Pecados recrimina al niño el simple hecho de ir a la verbena después de las clases y en La prima Juana, esta fea de veintisiete años ira “derechita al cielo y sin pasar por el purgatorio por la de horas del día que ella se pas atrabajando en la parroquia”. Estos clerigos no ofrecen respuestas a qué hace Dios que no para la locura de la guerra y que no ofrece alimento al hambriento ni sana al enfermo. Son religiosos esteriles que solo provocan lo que al niño de Pecados:
"Pecamos muchoy cuando, recordando las palabras de don Manuel, procuraba traer a mi memoria la imagen de aquel cristo crucificado que colgaba de la parca de su cuarto, lo único que ante mi vista aparecía eran sus blancas, trenzadas manos. Reposaban sobre su pecho, sobre su raída sotana, inmoviles, surcadas de venas rugosas. Si yo hubiese tenido siquiera el valor de pensarlo , si no hubiera temido cometer un sacrilegio, hubiera llegado a la conclusión de que aquellas manos me repugnaban. Eran como el pecado mismo;nunca más pude quitarmelas de la cabeza".
Los cuentos de Cabeza rapada son en mi opinión como un gran albúm de fotografias , donde las imágenes que vemos nos llevan al momento vivido, haciendonos sentir la imagen mostrada los sentimientos vividos a través de la rememoración. Las drescripciones que se dan en los cuentos nos llevan a poder visualizar los restos tras la batalla en El primo Rafael con el color “ceniciento” que todo lo envuelve o tizne negro en las caras y los pulmones de los tarbajadores en las minas, incluso a través de esas imágenes podemos saber que era para aquellos niños de la guerra la república española que murió con la guerra civil y que también se muestra en El primo Rafael:
"Tenía un color sucio, gris , con el cemento desconchado y roto. Dentro, sólo un cuatro bancos adosados a los muros y un cuadro de la república con su bandera ondeando al viento y su pecho macizo fuera de la túnica: Un cromo de brillantes colores, un poco pálidos ya, gastados por el tiempo".
Sin ninguna duda la visión que se tenia de España era tan gris y oscura como el colegio donde pasan la noche y ven ese cromo gastado de la república, pero tambien existe un gran desencanto al pensar que fuera de nuestras fronteras se comienza a disfrutar de algo que tardariamos cuareta años en tener, libertad. Asi en el cuento El último verano se hace una reflexión que en mi opinión es fiel reflejo de lo que podian sentir los jovenes españoles, sitiados por la dictadura, al mirar a una Europa que empezaba a resurguir de las cenizas de la II Guerra Mundial y que sobre tpodo tenía libertad:
"Por un instante, adivinó en sus ojos toda la monotonía de la pequeña aldea, el largo hastío de un verano prolongado, y como un viento amargo llegó la imagen de un mundo más allá del faro, del tren, de la Universidad, de la espaciada sucesión de romerias estivales. Pensó en la vida lejos, en Madrid, en Paris o más allá aún, en circunstancias que no podía imaginar pero que otros conocían, y lentamente, sin decidir si debía mostrarse triste o feliz, enojado o resentido, tendió la mano a la muchacha y se alejó".
Como conclusión me gustaría resaltar la vigencia de estos cuentos en nuestros días como un fiel documental de lo que fue un periodo importante en la historía de España. Un periodo donde se fraguó la máxima de las dos Españas. Una España la actual donde los hijos de los hijos de la transición pueden vivir a través de su lectura, las historias infantiles de la guerra que una tarde de domingo sus abuelos les contaban.
FUENTES PRIMARIAS
FERNÁNDEZ SANTOS, Jesus, Cabeza rapada, Barcelona, Seix Barral,2003
FUENTES SECUNDARIAS
FERNÁNDEZ FERNÁNDEZ, Luis Miguel, El neorrealismo en las narraciones españolas de los años cincuenta, Universidad de Santiago de Compostela,1992
Entrevista a Jesús Fernández Santos, A FONDO, TVE, 1978
EN LOS CUENTOS
DE
JESÚS FERNÁNDEZ SANTOS
RAQUEL MARTÍN REDONDO
Para los que somos hijos de la democracia, la guerra y los años que la sucedieron es lago que leímos en manuales de historia o simplemente el argumento de numerosos relatos por parte de nustros padres y abuelos. Sin embargo, la guerra civil española y los cuarenta años de dictadura que de ella se derivarón han marcado el carácter de este nuestro país. Cuantas veces habremos oido eso de ʽen mis tiempos nos comiamos hasta las mondas de las patatasʼ o ʽcuando yo era niño no teniamos jugetes con cualquier cosa nos entreteníamosʼ. Cuando leí por primera vez Cabeza rapada” no pude evitar ver en el texto un aire de familiaridad, una familiaridad de tarde de domingo en casa de los abuelos, la familiaridad de las historias contadas en primera persona con la veracidad que imprime a un relato oral la rememoración de lo vivido.
“Cabeza Rapada” se publicó en el año 1958 y en mi opinión además de ser un delicioso conjunto de cuentos también es un fiel documental de la España en la Guerra Civil y los años que la precedieron. Jesús Fernandez Santos que fue parte de esos niños de la guerra y parte de la intelectualidad de la posguerra que encontraron en la creación literaria “un medio para mostrar la relidad de una nación que los periodicos no decían”1. Y por supuesto un medio de denuncia para cambiar la sociedad en la que vivían. Frente al lenguaje grandilocuente del fascismo la sencillez de palabra, frente al mundo de la altanería nacional la España de misería, frente a la dictadura las ansias de libertad.
El cine neorrealista italiano llegó a España en el año 1950, anteriormente a ese año en Italia se habia comenzado una nueva forma de narrar y de hacer cine. Esas peliculas recogían la vida de “don nadie”, donde lo importante es sentir la vida cotidiana , conocer las causas y los efectos de toda acción. La ralidad como primacia en toda creación fue el medio para mostrar la realidad de la guerra y el fascismo alojado en Europa. Sin duda la llegada a España de películas como El ladrón de bicicletas, Paisá, Alemania año cero ,o ,Roma ciudad abierta fueron de gran influencia para los intelectuales españoles en los años 50, encontrando en estas peliculas una nueva forma de narrar, colocandose detrás de la cámara para mostrar explicitamente la realidad y dejar de manera implicita un mensaje de denuncia que el lector debe encontar y asimilar.
Los cuentos de Fernández Santos ofrecen, en mi opinión, una panorámica de la España de posguerra y además el conjunto de recuerdos, de vivencias de la guerra que determinarían quien sería en la España de la posguerra.
El mundo de los niños es sin duda el de mayor aparición en estos cuentos, la guerra vista, vivida , sufrida , y contada por niños. La cruel guerra en boca de la inocencia y en manos de quién en el futuro deberían cambiar la sociedad y aprender a no repetir la historia.
Ellos sufren la enfermedad y la orfandad como ,en el cuento que abre la colección, Cabeza Rapada, la pobreza y la miseria, la muerte y la soledad y esto es única y exclusivamente responsabilidad de los adultos. De ahí que en los cuentos de Fernandez Santos podamos leer:
De esto se desprende que es de los adultos la responsabilidad del final de estos niños.Luis Miguel Fernández Fernández habla de “precocidad del dolor e infancia malograda, o de niños predestinados a un fin trágico y vacio. Un fin que a veces no es la muerte, el abandono o la prostitución sino la delincuencia y el reformatorio [...] prolongandose así a los jovenes de la posguerra las consecuencias derivadas de las luchas fraticidas de sus padres.”
"Todos miraron las baldosas, como si cada cual no pudiera
soportar la mirada de los otros, y un hombre joven, de cara
macilenta, maldijo muchas veces en voz baja"
Otro rasgo que muestra como dañan las mentes infantiles los adultos es la reproducción de los aspectos más negativos del mundo adulto, la guerra y la violencia. Los niños juegan a la guerra reproducen los roles adultos en sus juegos hasta que la realidad golpea sus mentes marcandoles de por vida. En el cuento El primo Rafael los niños juegan en el monte a la guerra, encuentran divertimento entre trincheras, todo es un juego hasta que el pobre Luis se topa con un cadáver carbonizado del que solo quedan las reconocibles las botas. En mi opinión este es el cuento que mejor refleja la vida de los niños durante la guerra, ellos son espectadores y victimas sin saberlo de la locura adulta. Fernández Santos situa la acción en la sierra madrileña, en una zonas de casas de fin de semana y vacaciones. Allí los dos niños seran testigos de los bombardeos de la lucha en la sierra, se enfrentaran cara a cara con las heridas de la batalla.
" El primo Rafael también estaba allí.miraba al soldado fatigado,
con su cara ensangrentada. Como él , como Julito, le vió salir de
entre los pinos en las cercanías de la estación."
Los niños de los cuentos de Fernández Santos vagan solos, como vagan solos los niños que hoy en día sufren grandes tragedias. Son niños habituados a la noche a la soledad y al frio, así el niño de Cabeza rapada deambula en compañia de un amigo por la ciudad, y los primos Rafael y Julito, exploran en la oscuridad de la noche los hoteles abandonados por los turistas en busca de algo que robar. Los niños juegan a ser adultos, los juegos de guerra y la imitación de los comportamientos de los mayores que leemos en Una fiesta es muestra de la realidad propia y exclusiva en la que viven los niños de la guerra.
Un elemento comun en los cuentos de Jesús Fernández Santos es la enfermedad y que imposibilita en la mayoria de los casos la sanación de los personajes. En Cabeza rapada la imposibilidad de que ese niño sane ,y se vea condenado a la muerte ,es la falta de dinero para pagar la consulta médica y la explicación de esto la narra con un dolor que traspasa la sensibilidad del lector:
"Está muy mal. No tiene dinero. No se puede poner bien porque no tiene dinero. Está tísico. Si pidiera a la gente que pasa, no reuniría ni diez pesetas. Se tiene que morir."
En El primo Rafael, este sufre el atropello de un camión militar, que por supuesto no le asiste , enfermo, herido gravemente es trasladado en un camión junto a los demás expatriados a Segovia y al aparecer los soldados es bajado del camión con los demás finalmente quedará lisiado y con el funesto presagio de una muerte segura.
En la guerra y en la posguerra la falta de alimento, las deficiencias sanitarias la escased de dinero fueron el motivo de muerte, la impasividad con la que la sociedad vivia y asumía la miseria en la que vivían también fue causa de muchas muertes.
Otros de los males de la guerra y que Fernández Santos recoge en sus cuentos, fue la separación familiar, como en una sola noche las familias quedaban rotas y separadas por el frente. En el cuento Muy lejos de Madrid el corte del ferrocarril separa a un padre de sus hijos y su mujer. Los movimientos escapando del frente separaran definitivamente a esta familia.En este cuento se plantea, también mediante un niño, la busqueda de la verdad. Los niños de la guerra necesitan respuestas verdaderas que jamás reciben. Los niños cuestionan por qué su padre no está con ellos y cúando volverán a Madrid. Ellos nunca obtendrán respuesta, pero el lector ,a través de las lágrimas finales de su madre sabe que nunca se reunirán, que nunca volverán a Madrid.
Al igual que en el cine neorrealista italiano los niños son el medio para que el lector -espectador sienta y perciba cuales son los sentimientos del mundo adulto. En el Ladrón de bicicletas la ira , la frustración y el cansancio de ese don nadie que es el padre se ve reflejado en las expresiones de un niño que es mero observador y acompañante en esa busqueda de la bicileta robada. En los cuentos de Férnandez Santos sucede algo parecido, el miedo y la tristeza no aparecen en los personajes adultos de una manera explicita pero sí en los niños que a pesar de que viven la guerra entre juegos y con aparente tranquilidad cuando llega la noche son victimas del terror y la pena. Este fragmento de Muy lejos de Madrid ejemplifica esto:
"Sólo cuando las tinieblas se iban acercando, llegaba la tristeza y la melancolía de la noche lejos del hogar, lejos de casa. De bruces sobre el colchón cerca de su hermano , se dormia al instante, pero, a poco, despertaba llamando a su madre."
La libertad que tanto se había anhelado durante la contienda armada y que tanto habia recortado el movimiento represor fascista durante los primeros años de la dictadura tambien es un elemento presente en los cuentos de la colección. Si en Día de caza, el símbolo de tal libertad será el rebeco que todos los años tratan de cazar en el pueblo y que como siempre todos han visto pero ninguno ha cazado. En Llegar a más esa libertad será representada en la bicicleta anhelada por el protagonista, un niño al borde de la adolescencia que trabajará en la mina para poder comprar esa bicicleta que le permita desplazarse a la ciudad. El miedo a no tener esa libertad queda reflejado en los temores de “que el carbón fuera a terminarse antes de poder el comprarse la bicicleta”. Sin embargo no será la ausencia de carbón lo que no le permita disfrutar de su bicicleta sino la enfermedad de pulmón provocada por el trabajo en la mina:
"Frente a la casa, las cumbres se han borrado, fundiendo su último perfil en la noche que avanza. El viento huyó; hay una pausa calida. El camino no es empinado y, sin embargo, hay que hacer un alto para recuperar la respiración perdida. El pecho retumba.
Allí junto a las tablas de cohorte está arrimada la vieja bicicleta que el hijo del nuevo patrón le pide prestada algunos dias para bajar al pueblo. Tanto da ya, regalarla. La trajo pensando alguna vez utilizarla y porque en cierto modo es como un viejo animal al que su destino estuviera ligado"
Este fragmento, nos deja ver que la obtención de esa libertad es importante pero que tambie´n es necesario cuestionarse que uso hacer de esa libertad, preocupación que tambien estaba presente en los escritores de la década de los 50 , como también se puede ver en cuentos como el de Un día de libertad de Carmen Martín Gaíte.
Fernández Santos tambiem hace una importante reflexión en sus cuentos sobre las condiciones laborales de la España de posguerra. Al igual que en el cine neorrealista italiano directores como Vitorio de Sica o Rosselini habían puesto de manifisesto el paro laboral y las condiciones infrahumanas en las que trabajaban los trabajadores , Fernández Santos muestra la cara más dura del trabajo en las minas asturianas en Llegar a más y también en El doble donde un viejo torero se ve impelido a dejarse cornear por un toro arriesgando su vida en la filmación de una película. Ningun sector de la sociedad queda fuera de la mirada de Fernández Santos, las malas condiciones de abastecimiento del ejercito también queda plasmadas en el Sargento donde los militares voluntarios en Cuba mueren por falta de alimentos y medicamentos.
No cabe duda que los años de la guerra y la posguerra fueron tiempos de silencio, la incomunicación, el miedo a expresarse, esa ruptura, esa herida que silencio a un pueblo tras la guerra fraticida también es parte de los cuentos de Fernández Santos. Así vemos en Un día de caza como el tio y sus amigos apenas hablan, en Cabeza rapada nadie habla en el café donde los dos niños pasan. En El primo Rafael mientras que todos se refugián durante el ataque las mujeres rezan el rosario y solo las conversaciones de los adultos se escuchan trás las puertas y estas al igual que los cuchicheos de las primas pronto se callan. La incomunicación es total, como dice el cuento de El sargento: "las cartas nunca llegan a España y nunca de España llega nada".
Otro aspecto que me gustaría destacar de estos cuentos es la sutil crítica que se hace a la iglesia y el papel de esta en la sociedad del momento. Si en el cine italiano como Roma ciudad abierta, el cura del barrio se implica en la ayuda a la resistencia frente al fascismo, los clerigos de los cuentos de Fernández Santos son seres que solo propagan el miedo al infierno y pecaminizan todos los actos de los protagonistas. En Pecados recrimina al niño el simple hecho de ir a la verbena después de las clases y en La prima Juana, esta fea de veintisiete años ira “derechita al cielo y sin pasar por el purgatorio por la de horas del día que ella se pas atrabajando en la parroquia”. Estos clerigos no ofrecen respuestas a qué hace Dios que no para la locura de la guerra y que no ofrece alimento al hambriento ni sana al enfermo. Son religiosos esteriles que solo provocan lo que al niño de Pecados:
"Pecamos muchoy cuando, recordando las palabras de don Manuel, procuraba traer a mi memoria la imagen de aquel cristo crucificado que colgaba de la parca de su cuarto, lo único que ante mi vista aparecía eran sus blancas, trenzadas manos. Reposaban sobre su pecho, sobre su raída sotana, inmoviles, surcadas de venas rugosas. Si yo hubiese tenido siquiera el valor de pensarlo , si no hubiera temido cometer un sacrilegio, hubiera llegado a la conclusión de que aquellas manos me repugnaban. Eran como el pecado mismo;nunca más pude quitarmelas de la cabeza".
Los cuentos de Cabeza rapada son en mi opinión como un gran albúm de fotografias , donde las imágenes que vemos nos llevan al momento vivido, haciendonos sentir la imagen mostrada los sentimientos vividos a través de la rememoración. Las drescripciones que se dan en los cuentos nos llevan a poder visualizar los restos tras la batalla en El primo Rafael con el color “ceniciento” que todo lo envuelve o tizne negro en las caras y los pulmones de los tarbajadores en las minas, incluso a través de esas imágenes podemos saber que era para aquellos niños de la guerra la república española que murió con la guerra civil y que también se muestra en El primo Rafael:
"Tenía un color sucio, gris , con el cemento desconchado y roto. Dentro, sólo un cuatro bancos adosados a los muros y un cuadro de la república con su bandera ondeando al viento y su pecho macizo fuera de la túnica: Un cromo de brillantes colores, un poco pálidos ya, gastados por el tiempo".
Sin ninguna duda la visión que se tenia de España era tan gris y oscura como el colegio donde pasan la noche y ven ese cromo gastado de la república, pero tambien existe un gran desencanto al pensar que fuera de nuestras fronteras se comienza a disfrutar de algo que tardariamos cuareta años en tener, libertad. Asi en el cuento El último verano se hace una reflexión que en mi opinión es fiel reflejo de lo que podian sentir los jovenes españoles, sitiados por la dictadura, al mirar a una Europa que empezaba a resurguir de las cenizas de la II Guerra Mundial y que sobre tpodo tenía libertad:
"Por un instante, adivinó en sus ojos toda la monotonía de la pequeña aldea, el largo hastío de un verano prolongado, y como un viento amargo llegó la imagen de un mundo más allá del faro, del tren, de la Universidad, de la espaciada sucesión de romerias estivales. Pensó en la vida lejos, en Madrid, en Paris o más allá aún, en circunstancias que no podía imaginar pero que otros conocían, y lentamente, sin decidir si debía mostrarse triste o feliz, enojado o resentido, tendió la mano a la muchacha y se alejó".
Como conclusión me gustaría resaltar la vigencia de estos cuentos en nuestros días como un fiel documental de lo que fue un periodo importante en la historía de España. Un periodo donde se fraguó la máxima de las dos Españas. Una España la actual donde los hijos de los hijos de la transición pueden vivir a través de su lectura, las historias infantiles de la guerra que una tarde de domingo sus abuelos les contaban.
FUENTES PRIMARIAS
FERNÁNDEZ SANTOS, Jesus, Cabeza rapada, Barcelona, Seix Barral,2003
FUENTES SECUNDARIAS
FERNÁNDEZ FERNÁNDEZ, Luis Miguel, El neorrealismo en las narraciones españolas de los años cincuenta, Universidad de Santiago de Compostela,1992
Entrevista a Jesús Fernández Santos, A FONDO, TVE, 1978
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